Carlos Lopez's Interview at Spain Culture NY

Carlos Lopez was born and raised in Madrid and is currently Principal Guest Artist with Ballet Concierto de Puerto Rico and freelance Dancer in New York.
We met many years ago when he was a Principal Dancer in Victor Ullate Ballet, now we meet again in New York.


TELL ME, WHY TO NY?
I could answer that with another question! What a better place for a dancer or an artist than live in New York City? My first time here was in 1998, dancing at the City Center with VICTOR ULLATE BALLET. I had already heard wonderful things about the city, but when I got here I felt like if I was at home. The vibe, the energy, the welcoming feeling. Also the audience's reaction and feedback at the theatre was incredible during the shows. I thought to myself, one day I could live here.
So many years later when I was thinking in moving to a new company, ABT came to my mind and the fact that I had that wonderful experience the first time, I knew it would be much easier and exciting place for me to live in. Wherever I go to perform and guest I always come back to the city. It has everything a dancer wants, dances classes all day long, theaters, musicals, concerts...

Carlos joined American Ballet Theatre in September 2001 and danced as a Soloist from 2003 to 2011. His repertoire with ABT includes Iago in Othello, the Bronze Idol in La Bayadère, Birbanto in Le Corsaire, and Mercutio in Romeo and Juliet, Petite Mort, Sinfonietta, Dark Elegies, Gong, Mozartiana, Company B, Symphonic Variations, Workwithinwork and In the Upper Room... and a long long etc.

HOW DO YOU MANAGE LIVING BETWEEN NEW YORK AND MADRID? OR PUERTO RICO AND THE WORLD?
I grew up in Madrid at Victor Ullate Ballet School and then moved to the Company where I danced as a Principal dancer for many Years. They were wonderful years because everything I experience was new to me, so I discovered a lot of things on the road. Dancing in many cities and traveling with my friends who became my second family, staying at hotels, sharing dinners and living the life of a professional dancer, all of this since the age of 16th! It was wonderful!
These days, to be able to live in so many different places, even sometimes for a short period of time, I have to adjust myself to the freedom and life style of the city. In New York, Madrid or San Juan the work is not the same and the speed and movement of the cities are different, but you just have to relax and try to understand how they work and go with it.
But now, that I'm based in New York, I come back to Madrid as much as I can to visit my family, (with whom I am very attached), and my friends. I need to see them and also enjoy the Spanish food that I like so much, the streets, the parties, etc... I have been trying to go back and dance there again but it seems very complicated, probably because the economical situation is affecting the arts, so it seems to me easier to be a guest artist anywhere else except in Spain. I would love to be able to go to the National Company and dance with them. To show the Spanish people again what I get to show the audiences from New York, Tokyo or Puerto Rico. Maybe one day...

 

He always had international goals and international acknowledgment: In 1996, he won the Silver Medal at the Seventh International Ballet Competition in Paris and in 2004, he was awarded the Les Etoiles de Ballet 2000 Prize in Cannes; as a Guest Artist he performed with the National Ballet of Georgia in 1996, and in Giselle with the National Ballet of Cuba at the 16th International Ballet Festival in Habana, in 1998; international ballet galas such as "World Stars Gala" in Budapest, the "International Ballet Festival of Miami", the "Soirée Internationale pour la Danse" in Monte Carlo, the "Positano Dance Festival" in Italy and "Stars of the 21st Century" in Toronto. In 2012, he is also performing in the "23 International Ballet Festival of Havana", as a principal guest artist with Ballet Concierto and a Guest artist in the production of Nutcracker with Inoue Ballet of Japan.

WHAT DO PEOPLE SAY ABOUT YOUR WORK?
They say that I'm a hard worker, with discipline and that I bring a lot of passion in what I do.
I consider myself as an ARTIST that wants to express himself through his dancing.
I love classical ballets, but also love contemporary.I had the opportunity to perform and discover both styles and got to enjoy them deeply. That's why it's very difficult to decide which one I like better. They both require something different from me and make me a better artist.
If I have to dance classically, I'll try to be clean, precise and tell the story through my acting, something that I always loved to do. And if it's a contemporary piece, I will to let my body loose, try to discover new movements, feelings and shapes. Nowadays that I'm freelancing, I have to go from being the prince in a classical production to being very contemporary in another one. I think its compatible; I always have to be ready for whatever project or proposal comes that interest me as an artist.

YOUR MAGIC PLACE?
There are two places. One as a dancer: The Metropolitan Opera House Stage, that has given me the most rewarding moments of my career and always made me feel like home. So big but at the same time cozy. Beautiful!
And the second one as a New Yorker that I consider myself after 11 years: The Chelsea Pier. I love to walk down from the pier 59, looking at the buildings of New Jersey and sit down at a bench in front of the Hudson River. A quiet place to think, listen to music, or just have a little sun. Priceless!

AND TO FINISH THIS CONVERSATION, YOUR ADVICE FOR THE SPANISH PEOPLE THINKING ABOUT COMING TO THIS UNIQUE CITY:
Meet other artist and show them what you can do, you never know what they can do to help or you can do for them. NETWORKING it's very important in this city. If you stay home, nobody will know that you exist and that you have something to show.
New York it's not an easy city, but it's an EXPERIENCE that you will never forget. It will change you as a person, inspire you as an artist, sometimes it will even depress you, but at the end of the day, all those things will make you who want to be.


Published at Spain Culture New York, Consulate General of Spain in NY's website, on September 28th 2012: http://www.spainculturenewyork.org/beta/cms/mapping-the-arts/spanish-creators-in-ny/spanish-creators-detail/?tx_ttnews%5Btt_news%5D=28&cHash=e5e41e52d130f63c67da72d9cde8c8c6

Mario Bermudez Gil's Interview at Spain Culture NY

A tiny Café in East Village to talk with MARIO BERMUDEZ GIL an andalusian dancer that moved to New York City in 2010.

TELL ME SOMETHING ABOUT YOUR STYLE.

The most impacting thing about my performance now by Gallim Dance, is the MOVEMENT, the quality; the play is very strong and physical, very ATHLETIC. We work a lot with different muscles of the body, that you ever release you have them! You are trying to DISCOVER new things; we play a lot of movements.
I've always dance contemporary dance. From Centro Andaluz in Spain, to Gallim in NY. Jennifer Muller, the company that brought me here to NY, was more theatrical, and Gallim is more EXPERIMENTAL.
Gallim is a great experience because the technique and the IMPROVISATION are really important. You can search in your own body, in your movement. Also you give to the choreographer whatever you feel, you play together with her and you try to find pleasure in what you do.

Gallim Dance, http://www.gallimdance.com/, is the New York-based contemporary dance company of wild-child Spanish-American choreographer Andrea Miller. Miller's work embodies fearless physicality, grounded by deep humanity and expressed through the madness and joy of the imagination.
- "Voluptuously polyglot choreography" (The New York Times)
- "Sexy, reckless, and edgy as hell... As exciting as high art can get" (Nashville Scene)

 

HOW DO YOU MANAGE LIVING BETWEEN SPAIN AND NEW YORK?
It's very hard to me to be so far of the family, but I'm also used to it, because I leave my house young. Jennifer Muller offers me to come to NY two years ago, and it was the moment that I thought: "now or never, it is your opportunity".
Also, when I return to Spain, even for vacation, I try to perform and bring the contemporary dance there, to my village. I want to bring near this culture to young and senior people.

Jennifer Muller the Works is a contemporary dance company that has applied a multi-disciplinary approach that weaves dance, theater and visual arts to create dances. The company is qualified as ?Visionary, Passionate, Provocative".

Gallim Dance by Franziska Strauss

WHY NY?
When Jennifer Muller invited me to NY, It was my first time here, and actually my first time abroad. The first time I go out from Spain, I went to NY!
I like to be in NY, because it´s a great city, with huge opportunities, for all kind of jobs, not only dance. If you have something different you want to do, to open new perspectives, here you've the opportunity do it.

NY was the first city he visited out of Spain; now with Gallim Dance he performs a lot of tour through all over the world like Canada, Germany, Boston, Atlanta, Houston...

YOUR PERSONAL PLACE?
I have lot of places in NY. But when I need to be alone, to relax, to think, I go to the Brooklyn Bridge, walk under it, to watch the water, the Manhattan skyline? I've also dance there! Dumbo Dance Festival, it was amazing.

YOUR ADVICE FOR THE SPANISH ARTISTS AT NEW YORK:
You will need willpower and fight for what you want. You change your life absolutely. This city it's beautiful and huge but at the same time you have to be really strong, professional? you've to build your life alone and you will discover yourself.

Published at Spain Culture New York, Consulate General of Spain in NY's website, on May 30th 2012: http://www.spainculturenewyork.org/beta/cms/mapping-the-arts/spanish-creators-in-ny/spanish-creators-detail/?tx_ttnews%5Btt_news%5D=24&cHash=bffbe9d7be68f33602da7ff18ba53685

Carmen

Llevar a una española a ver la opera Carmen, siempre es un riesgo.
Y si además ella, no solo tiene en la retina la película de Saura, la de Aranda o el ballet de Bizet, si no que participo como extra en la opera y se la sabe de memoria. Aun más arriesgado.

Se trata de una versión extremadamente sencilla. Presentada por en Symphony Space y tocada por un único piano. Lo que adelanta ya que las voces y la música son lo importante, no la escenografía ni el vestuario. Además se representa en un escenario de concierto. Un escenario desnudo, de fondo negro en el que los gitanos y soldados se mueven ágilmente añadiendo, simplemente, pequeños elementos para mostrar la taberna o la cueva.

Buenas voces todas. Potentes y hermosas aunque no diría que del nivel de las grandes operas. Solo los dos protagonistas poseían la fuerza y capacidad interpretativa como pasar al siguiente escalón. Carmen mostraba un desparpajo y José, algo más incrédulo de lo que se suele perfilar, una pasión y energía que conseguían emocionarte.
Admiro la capacidad del piano de, el solito sostener toda una opera. Y así es, un único instrumento es capaz de transmitir toda esta historia.

Hubo un detalle que no tengo claro y otro que no les puedo perdonar.
Se trata de una opera en cuatro actos, agrupada en dos y cantada en su idioma original, francés,  con breves incursiones del ingles. Aunque no cortaba la historia, si eran momentos de cierto desconcierto y desconozco si era por reducir la extensión de la obra, por ser partes que musicalmente no se podían asumir con un único instrumento o por alguna otra razón pero, creo que es meter un elemento extraño en una obra maravillosa y yo hubiera preferido recortar esas partes sin interrupciones en otro idioma.
Pero el detalle que inexcusable y que desmejora la obra es la elección del TORERO. Un personaje de garra y carisma que aquí queda disminuido a una voz potente pero sin pasión. A pesar de no ser una representación exhaustiva de la opera, si se estaba interpretando el argumento y los dos protagonistas tiene grandes dotes que consiguen emocionarte. Por lo que, este cantante pagado de si mismo, que miraba más al público que a Carmen…bajaba la intensidad de sus escenas.

Es una Carmen sin opulencias pero sincera. Amada por cada uno de los artistas que lo representan, pasión que consiguen transmitirte y que por ello, supera la prueba de esta espectadora ESPAÑOLA. 

Marta Graham Company

Este año, el cumple años de mi madre fue una celebración a lo grande, y tanto que pudimos a ver una de las mejores compañías de la danza contemporánea Marta Graham revolucionó los escenarios a principio del s. XX con una técnica impecable pero saliéndose de los cánones del momento, olvidando los temas románticos para adentrarse en los mitológicos de la antigua Grecia, liberando a la danza de la esclavitud de la música creando coreografías arrítmicas donde el bailarín no siempre sigue a la música, si no que se libera de ella para expresar con mayor o menor intensidad lo que está sucediendo sin anclarse en lo que la música manda.

Así da lugar a una danza que aún hoy es moderna, que aún hoy es revolucionaria ya que ha tenido grandes seguidores que, como ella han renunciado a las formas circulares, armónicas y siempre bellas de la danza clásica para crear formas más angulosas y cortantes que transmiten mayor tensión y fuerza. Aún así, no son tantos los creadores que se han atrevido con esta peligrosa combinación más estridente y arrítmica de la música con su danza.

Bailarines ejemplares con fuerza y técnica que expresan con maestría lo que está sucediendo. Sin miedo a la interpretación o a la realidad.
Una escenografía sencilla pero eficaz donde con 3 ó 4 elementos, con el colorido y la forma exacta para aportar el contexto y la información necesaria que enriquezca la obra, sin arroparse, como otros, en la ley del minimalismo.
Hasta el vestuario es rico n matices ya q no es simple decoración, n una coreografía es parte del escenario y en otras permite interactuar entre los bailarines o transmitir mayor dramatismo entre la coreografía.
Creo q ningún elemento es gratuito y cada movimiento es calculado.
Si una compañía es seguidora d Marta G. hay q ir a verla.
13. Julio. 2008. Berlín

Opera Peggy&Bess

También dentro de los festejos del cumple años d mi madre, la opera americana, Peggy y Bess,  nos sitúa en un muelle de la costa cerca de Nueva York.

Un barrio pobre, una historia dramática y enormes cantantes afroamericanos.
Aunque con grandes voces la defienden, he de reconocer que no era la obra que estaba esperando, seguramente porque me lo vendieron como un musical y esto claram era una opera con potentes voces, grandes escenarios, muchas muertes y a mi pesar, pocos bailes. La opera en inglés, con subtítulos en alemán dificultana la comprensión, así como las 3 horas de duración.

Aunque reconozco que es una obra muy bien construida, con algunas canciones memorables, como Sommer Times, y el publico aplaudió a rabiar, no era lo que yo esperaba y supongo que no era mi momento para una historia d pobreza, drogas,  sin control, resignación y tragedia.

Porgy and Bess by the New York Harlem Theatre.

Igor Yebra y Julio Bocca, todo un placer

Reencontrarse con Igor Yebra, siempre es un placer. Es uno de sus papeles con mayor interpretación y dramátismo aunque con menor esplendor técnico de lo esperado.

Basándose en una leyenda clásica de su Buenos Aires, Julio Bocca se atreve a crear su propio ballet. Creo sinceramente que crear un ballet, con el esplendor de los d antes, la música, la coreografía y los bailarines perfectos…es casi imposible.

Así aquí, la música deriva de los tangos argentinos por lo que la danza, es una mezcla entre ballet y bailes d salón. Lo cual tiene su valor por acercar la danza al publico general, pero no tiene la luminosidad de los de antes.

Un argumento claro con una interpretación evidente que no necesita d los códigos habituales d la danza clásica ni grandes abstracciones como en la danza contemporánea, por lo que es una obra accesible, sencilla y fácil que se ve con cariño pero a la que le falta brillantez.
Tanto del director como del bailarín, casi le llamo actor, principal esperaba más, ya qu ambos son, o han sido grandes figuras del ballet clásico.

Posiblemente cumple los objetivos que la obra se había marcado, por lo que creo el error fue mío al esperar más.
Han creado una obra sencilla y popular para llegar al gran público pero lamentablemente, en uno de los últimos días de actuación (era viernes y terminaban el domingo) el teatro no estaba lleno. Con 2 grandes nombres y el público español no acude. Sólo llenan los musicales que, aunque han llegado algo tarde, encantan al publico y en la danza, sólo el ballet clásico y seguramente más si es ruso, es una garantía.

Sinceramente Julio, buen trabajo aunque decepcione al entendido, convence y conquista al inicial. Yo aporté 5 inexpertas a las que has conquistado, espero que el resto tambien haya aportado porque nunca se sabe cuál es el camino.

Ah! Cabe decir q si no hubieran estado Igor y Julio en esta obra metidos, probablemente me hubiera gustado porque les habría exigido menos, pero con 2 genios…me han decepcionado y además, tengo la duda de si Igor ha sido desaprovechado o es q ESE es el Igor de hoy en día.

Felicitas. Compañía de Julio Bocca con Igor Yebra de bailarín principal. Teatro Gran Vía. Madrid. – 27. junio. 2008

Mi Itziar Mendizábal en Opera de Leipzig

En un teatro d los mejores para la danza, ubicadas dn los gestos se ven y casi se sienten, pudimos disfrutar dw una gran espectáculo d danza moderna.
He de confesar q no soy objetiva, ya q actuando mi amiga Itziar Mendizabal, que no venía a actuar en España desde hace años, me afecta.

3 coreografías modernas, 2 de ellas muy al estilo d Victor Ullate o de Bejart, que fue su maestro, y una tan diferente de todo que…tuve q pedir una explicación a la salida para entenderla.

Empecemos por esta incomprensible pieza dn juegan con el escenario, las lunes y el desconcierto. Los bailarines aparecen entre sombras, incluso llevan luces, cual árbol d Navidad, se mueven con movimientos abruptos, saltos y con gran esfuerzo por nuestra parte, intentamos darle un sentido a la obra, que luego no coincidía con el del creador. Con escenas demasiado explicitas que hasta ruborizaron a cierta parte del publico, pensamos que hablaba del estrés de la vida cotidiana, cuando quería expresar el amor a todos los niveles, wow! Jamás lo habría acertado! Aunque supongo que lo importante es que transmita algo e inquiete al espectador, que sin duda…esto sí lo consiguió.

Las otras dos coreografías, donde sí actuaba mi amiga, de gran fuerza escénica con esfuerzo técnico del todavía más buscando encajar una rápida y atronadora música con giros, saltos y gran yetes.
Muy basadas en el cuerpo de baile, a pesar de tener grandes figuras, no destaca por primar unos sobre otros, ni contar una historia concreta, si no que dota a todos sus bailarines con fuerza escénica.
Estas coreografías son de Uwe Scholz coreógrafo principal de la compañía que murió hace poco y que es muy del estilo de los nuestros.
Había visto el ensayo de la primera coreografía en una visita a Leipzig y aquí ganó en fuerza, limpieza y armonía.
Lo reconozco, no soy objetiva y es un estilo que conozco o que no rompe, por lo que lo puedo valorar mejor.

Opera de Leipzig. Con Itziar Mendizábal en Teatro Madrid. Mayo 2008.
Photos por Joachim Manuel Riederer

Beethoven. Decepciona sinfonia a sinfonia

Creo q es el último q vi d él, antes d enterarm d más infiernos ocultos n su compañía.
Aprovechando el aniversario d Beethoven crea 3 coreografías cn su música cn 2 d Eduardo y 1 d Víctor…decepcionan una a una.
Las 2 d Eduardo, 1 trío, idas y venidas d entre los bailarines son cm algunas d su maestro hace ya unos 10 años, pero sin los bailarines extraordinarios q él tenía.
Se une a la línea d Blanca Lee al jugar cn el escenario, cn los materiales y cn las texturas d la pared q la 1ª sorprenden y ds luego aportan, pero q no elevan la coreografía floja cn una música, q x clásina no potencia a los bailarines y no transmiten la fuerza suficiente d la historia. Lo siento, es Beethoven, tal vez no era la historia adecuada para él…
En cuanto a la coreografía d Víctor…q gran decepción!! Eduardo es sólo fruto d su maestro, ni más ni menos, ni es capaz d llegar más allá ni vivir, si no es su sombra, pero Víctor…q tantas grandes coreografías ha realizado, q cn Samsara le demostró al mundo, o x lo menos a España, la profundidad d su alma y td lo q se puede transmitir cn la danza, y ahora…n una historia d ciclo d la vida, n una infancia – vida – muerte…nos muestra una pantomima, coreografías corales y teatrales muy necesitadas d atrezzo y mimo, cd normalm d la manera más abstracta y sin complemento alguno, es capaz d expresar mucho más!!
M temo q Beethoven no les inspiró, y aunq no td puede ser cm Samsara, el Sur era un ballet correcto q cumplía cn sus objetivos.
No sé si la falta d brillantez entre sus bailarines le frustra, si haber dejado ir a las grandes figuras d la danza española le ha bloqueado pero tal y cm trata a sus bailarines, si no es capaz d darle más a su gente y mimarles un poco…nunca podrá tener la grandeza q un día tuvo.
Y mi inquietud ahora es pensar si volverá a conseguir una obra maestra cm Samsara dn tampoco tenía a los mejores bailarines pero sí tenía la mejor inspiración. Él ha hecho milagros, espero q vuelva a hacerlos.

Beethoven. Compañía d Victor Ullate. Teatro Albeniz. Madrid- marzo 2008