Decisiones cotidianas y de las que te cambian la vida en "Los miércoles no existen"

¿Qué pasas si fusionas el cine y el teatro? ¿Si seleccionas 12 actores de cine, teatro y televisión? ¿Y si varios actores realizan el mismo personaje?

Todos estos retos plantea Peris Romano, director de “8 Citas”, en la comedia "Los miércoles no existen", una de las obras más esperadas de la temporada. Y aunque es arriesgado tener grandes expectativas y q te lleve una amiga que ya la ha visto dos veces, la obra cumplió y me atrapó desde el primer momento.

Las decisiones cotidianas y de esas que cambian la vida de 6 treintañeros que nos hablan de sexo, amor, límites, rutina, el piso, el café, el trabajo o los sueños mediante momentos entrelazados de 5 años de sus vidas, contado en flash backs y flash forwards. Mezcla fascinante de película, sitcom y teatro, con una banda sonora en directo que llena los cambios de escena.

Me encanta saber el porqué del nombre de una obra, el link que hace que todo tenga sentido. Y la escena “Los miércoles no existen” lo consigue, muestra el espíritu de toda la obra. Y aunque creo que el texto debe mostrar el paso del tiempo por sí mismo, aquí está maravillosamente bien jugado con la pizarra.

¿Con quién te identificas? ¿En qué momento estás? Es la pregunta inevitable con fascinante respuesta. Posiblemente hoy yo sea un personaje, pero hace un año era otro y pronto seré otro…

Gorka Otxoa, Diana Palazón, William Miller, Mónica Regueiro, Dani Muriel Irene Anula, Javier Rey, Eva Ugarte, Armando Del Río, Bárbara Grandio, Marta Solaz, Luís Callejo, Daniel Gúzman protagonizan esta obra en una combinación casi infinita que te provoca querer volver a verla, para conocer los matices y giros que otro actor le puede dar. Aquí les puedes ver y tratar de elegir, o dejar sorprenderte, como hice yo.

"Los miércoles no existen”
PRODUCCIONES OFF

Director y guionista: Peris Romano

Reparto: Gorka Otxoa/Javier Rey, Armando del Río/Luis Callejo, William Miller/ Dani Muriel/Dani Guzmán, Diana Palazón/Mónica Regueiro, Bárbara Grandío/Eva Ugarte, Irene Anula/Marta Solaz

Música: Ester Rodríguez y Alberto Matesanz

Yo la vi en El Sol de York pero actualmente está en el Teatro Lara. Madrid

Musicales: ¿en cine o en teatro?

En Nueva York he visto dos musicales que esperaba con emoción tras el impacto que me había hecho la película pero que, al verlas en teatro, me decepcionaron. E igualmente, me entregué a los Miserables en su primer día de estreno en la gran pantalla y…no encontré lo que esperaba.
Por esto, pensé que era interesante ver que no siempre funciona el traspaso del musical al cine pero que a veces, la película supera al musical.

Este es mi opinión personal ante 4 musicales que han llegado a película:

HAIR

Es una de mis películas favoritas que me sabía de memoria. El primer día que llegué a Nueva York, tras mil horas de vuelo y con el cambio de hora, me apresuré a ver este musical en mi Broadway soñado. La película es bastante diferente del musical, y yo no lo sabía.

Investigando sobre la obra, marco un antes y un después en el teatro musical. Fue un milagro que se produjera, y que tras su estreno en Off Broadway en 1967, llegara a Broadway solo un año después, mostrando fielmente el movimiento hippie que estaba pasando en la calle, y muchos ignoraban, y llevando al teatro a un público joven, que hasta entonces no iba.

Hair, subtitulado The American Tribal Love/Rock Musical, es una ópera beat sobre la cultura hippie de los años 1960 en los Estados Unidos, incluyendo el amor, la paz, la libertad sexual o el uso de drogas, todo lo cual produjo cierto impacto en la época, incluyendo los desnudos integrales de todos los actores en algunas escenas.

En 1979 se produjo una película del mismo nombre pero que no respeta del todo el argumento del musical, y no fue bien aceptada por los creadores del musical.

Esta es la obra que a mí me llegó y vi primero. La película excluye un par de canciones y modifica otras pero sobretodo, la gran diferencia es que se enfoca en el mensaje social y político y se posiciona claramente sobre la guerra del Vietnam. El musical solo pretendía mostrar una nueva forma de vida.

En mi caso, la película me llena más que el musical, al tener mayor compromiso, fuerza narrativa y dramática.

Los Miserables

“La película de las Navidades” cantaba el cartel publicitario que empapelaba NY y Madrid. “Una de las películas más esperadas del año” y “8 nominaciones a los Oscar”, rezaba también.

Vi el musical en Londres, con dos amigas en la primera primerísima fila donde pudimos sentir toda la fuerza de tan dramática historia y tan dura batalla. La escena de la bandera roja…se ha quedado grabada en mi retina.

Los Miserables es un espectáculo musical basado en la novela de Víctor Hugo, Los Miserables, estrenada en París en 1980. Cuenta la historia del convicto en libertad condicional Jean Valjean quien, al no encontrar trabajo honesto por culpa del papel que lo acredita como ex convicto, cambia su identidad para volver a vivir su vida.

Con gran expectación y entusiasmo ante un musical con tantas caras conocidas, me sumergí en esta película que con demasiado primer plano y personajes esperpénticos, me desencantó.

Primeros planos que hacen que me pregunte qué está pasando alrededor, primeros planos con los que pierdes las voces del conjunto y pretenden dar intensidad dramática, sin conseguirlo.

Las imágenes de la ciudad, los barcos, las barricadas…es más gráfico en su pobreza pero no más hermosas visualmente ni más conmovedoras. El espíritu revolucionario se representa magistralmente en el escenario y es ahí donde hay que buscarla!

Mamma Mia

El musical basado en las canciones del grupo sueco ABBA se estrenó en Londres en 1999 y la película estadounidense en 2008. Ahora mismo se está representando en NY, Londres, Stuttgart y Moscow y está de gira por Francia, Japón y Korea.

Es un musical de empaque frívolo y alegre, pero mucho más rebelde e irreverente de lo que parece. He aquí el ARGUMENTO: Sophie Sheridan es una chica de veinte años que vive junto a su madre en una isla griega. Está a punto de casarse y quiere descubrir una cosa: quién es su padre. Por ello, y sin que su madre lo sepa, decide invitar al evento a tres hombres con los que ella tuvo una aventura.

En este caso vi el musical en Madrid, la película en Alemania, y el musical de nuevo en Broadway, esperando que este mejorara la versión vista en Madrid, protagonizada por Nina de Operación Triunfo pero…no fue así. A pesar de los 11 años que esta obra lleva en uno de los más antiguos teatros de Broadway, Winter Garden Theater, me temo que la película ha llenado Mamma Mia de imágenes de Grecia, de mar y casas blancas con tejados azules, que embellecen la obra de tal manera que el teatro ya no lo puede emular.

En esta historia, se puede caer fácilmente en el humor fácil, y el musical lo hace. Los personajes son superficiales y no se penetra suficiente en cada uno de ellos. Sin embargo, con el mismo argumento, en la película se consigue una mayor identificación y conocimiento de cada uno, gracias a los primeros planos, a la escenografía y a unos actores bien conocidos que se arriesgaron con esta película, a pesar de no ser cantantes con una valentía que me encanta.

Para mí, la película ha superado al teatro.


Phantom the Opera

Me regalaron la banda Sonora del musical londinense, antes de ver el musical. Vi el Fantasma de la Ópera en Madrid con mi abuelo, la película en alemán con mi madre en Berlín y de nuevo el musical en NY con las niñas.

Y cada vez, absolutamente todas las versiones me han llegado al alma por que la música de Andrew Lloyd Webber traspasa cualquier idioma y el amor, terror y misterio de la historia cualquier formato.

Tras numerosas adaptaciones de la novela de Gastón Leroux, la versión más popular, y la que yo he visto, es la de Lloyd Webber de 1986 y su posterior película en 2004.

Los datos del musical teatral son abrumadores: la obra creativa que ha ganado más dinero (mundialmente ha ganado 3,2 mil millones de dólares), más de 50 premios a nivel mundial, es la obra que más ha estado en Broadway y más de 100 millones de personas la han visto.

Por supuesto el teatro tiene una cercanía y magia única, pero la sala oscura ante una gran pantalla también. Soy incapaz de elegir así que lo importante es entregarse a esta obra sea donde sea.

Una gota imprescindible en el océano - CLOUD ATLAS

Era un día de esos, en los que necesitaba despejar la cabeza y sumergirme en otro mundo. Fui directa al cine sin saber que película ver y el poster de CLOUD ATLAS , plagado de caras conocidas en un contexto extraño, me sedujo.

Tom Hanks, Halle Berry, Susan Sarandon o  Hugh Grant, entre otros, protagonizan esta película coral que muestra varias historias que se desarrollan en el pasado, el presente y el futuro y donde cada una de ellas está contenida en la anterior, y todas están enlazadas entre sí por pequeños detalles.

Es una película cautivadora, desbordante, que invita a la rebeldía y cree en el individuo. Son tantas historias, tantos detalles, tantos personajes, que te atrapan y mantienen pendiente de lo que va a pasar.

Salí de la película energética con ganas de saber más de esos mundos y de los creadores de esta obra. Al ver que eran los mismos que de MATRIX, lo entendí todo!  Los hermanos Andy y Lana Wachowski le pidieron a Tom Tykwer (el director alemán de El Perfume) que codirigiera con ellos esta obra pasada en la novela de David Mitchell, entendiendo con “codirigir” que dirija varias de las historias, de manera que, en la película se puede distinguir el estilo de cada uno de ellos, en las diferentes historias entrelazadas. Sé que suena un poco confuso, pero me resulto absolutamente fascinante cuando lo leí en el New York Times , en una critica que desvela demasiado si no la has visto, pero cuenta detalles fascinantes y con la que comparto totalmente la opinión.  

La fotografía es absolutamente maravillosa, llena de detalles capaz de crear diferentes mundos y tiempos. Es fascinante el desarrollo de cada una de las épocas con un lenguaje, ropa y hasta forma de moverse únicos. Además, es un ejercicio divertido el intentar descubrir a cada uno de los actores en los diferentes escenarios, donde rasgos físicos y del carácter se mantienen, pero donde no han tenido miedo a transformar la raza, el sexo y los valores. Por ejemplo, la transformación de la surcoreana Bae Doo-na en una irlandesa-americana del 1849 es increíble. Una infografia que lo explica muy bien es la de Cinema Blen.

El futuro cercano, reflejado en el mundo asiático, que es el que parece estar ya mas cerca de él, está lleno de imágenes virtuales y táctiles, en el sentido de que pocos elementos de la vida cotidiana son reales (una ventana y su paisaje) si no que son creados (a partir de una pared de cemento donde virtualmente se crea una habitación bien diseñada). Una parte de mi se inquieta ante este tipo de recreaciones, y más aún por saber que el futuro más lejano siempre lo pintan como catastrófico. Aunque he de decir que esta película es claramente positiva y esperanzadora.

CLOUD ATLAS está flasificada como "cine épico" y así lo es!! Está hecha a lo grande, aspira a ser recordada, al igual que Matrix, a formar parte del imaginario de todos. Creo que por esta razón, es una película  autocomplaciente y demasiado evidente en  cierta manera, al desvelar sin miedo sus intenciones y cerrar claramente el final con imágenes, discursos y reflexiones.  

El estreno en USA fue el pasado 26 de octubre, pero me temo que a España no llega hasta febrero, así que ya simplemente cierro con  una de las frases de un protagonista, que bien resumen el espíritu de esta obra: ¨Cada uno es una gota en el océano, pero en realidad, de qué se compone el océano si no es de gotas”.

CIFRAS en NY

El Consulado de España en Nueva York y AENY se han unido para darles un escenario a dramaturgos españoles, en la búsqueda de estrenar sus obras y “Give Me a DamnStage!” es la manera. Una serie de lecturas realizadas ante un reducido y exclusivo publico en Repertorio Español del 22 de octubre al 7 de enero 2013.

Yo asistí el pasado martes con enormes ganas de ver la obra CIFRAS, en un escenario. Aunque fuera un primer esbozo, me moría de ganas por escuchar el monólogo del capitán y a su luchadora mujer.

 

CIFRAS pone en ficción la vida de los once marineros del barco pesquero ‘Francisco y Catalina’, que en el año 2006 recogieron a 51 inmigrantes y estuvieron una semana sin poder entrar a puerto mientras se resolvía el conflicto diplomático entre Malta y España.

La puesta en escena es compleja ya que la historia transcurre en tres espacios diferentes, el barco en el que conviven marineros y náufragos, la esposa luchando para que se escuche lo que esta pasando, y los diplomáticos resolviendo el problema internacional que se ha creado. Evidentemente esto aún es una lectura y lo importante es el texto y han optado por simplificar el movimiento en escena, ubicando en el centro a los actores cuando hablan y silenciando al resto sentándoles en los laterales. Cada uno de los actores se salían del personaje, a excepción del capitán, un personaje con numerosos conflictos que seguía avanzando la historia a pesar de no ser él el foco de atención.

Los dos actores protagonistas, Sebastián Galvez  y Beatriz de La Cruz, te conquistan en su lucha individual y en la relación entre ambos que va evolucionando a lo largo de la obra. También impacta el cocinero, con su visión del mundo a través de las cifras, pero algunos de los secundarios pierden fuerzan y no llegan al público.

 

El texto de Mar Gómez, premiado con el Premio Calderón de la Barca, es cautivador. Partiendo de una noticia real, crea personajes complejos y creíbles, con sus ambigüedades, defectos y complicadas relaciones personales entre ellos. La inmigración, los conflictos políticos y el uso de los medios de comunicación e internet, son tremendamente actuales y se cuentan con simplicidad, ingenio, poesía y hasta humor.

Como el propio director, explicó, esta lectura pretende ser un workshop, parte del proceso de creación de la obra por lo que la voz en off y el Foro, es un elemento que a trabajar aún. Es un gran primer paso para darle voz al texto escrito y comprobar la fuerza del mismo antes de crecer y explotar todo lo que esta obra puede llegar a ser.

Espero pronto ver CIFRAS en todo su esplendor!

European Young Directors’ Forum

“Building Bridges” it’s the name La MaMa gave to the Conversation we had. “Cultural Exchanges” is the one I would have chosen.

This panel, part of European Young Director’s Forum presented by La MaMa and European TheatreConvention, give the opportunity to directors, producers and actors from Europe and US to share and discuses their experience performing their works abroad. David Diamond moderates the conversation where anonymous and renowned talk together, such as Anne Bogart, Paul Knieriem (The Netherlands), Ana Tomovic (Serbia), Meiyin Wang (Under theRadar Curator) and Bastian Kraft (Germany).

All together on a circle talk and talk and talk. There weren’t big conclusions or lesson, but really interesting topics to think about. Bellow you can see some quotes to think about:

“There is not RIGHT or WRONG in theater. Just try something!”

 “When you go to the theater, you’ve to be OPEN to a new experience.”

“To present a play in another country, another culture is a huge experience, for everyone, performers and audience”

“We are afraid to art as we are afraid to sex”

“When you create a play with another nationalities or cultures, you bring out questions you never consider before”

Medea, una mujer de s. XXI

“Medea’s Got Some Issues” presenta a la polémica Medea de Euripides, como una mujer de nuestra época, valiente y desafiante que solo quiso defender lo que era suyo, su vida, su honor y su marido, al precio que hiciera falta. Así, 2.400 años después, Medea tiene su propia voz y cuenta su historia, cargada de humor, pasión y sarcasmo.

Ana Asensio, la actriz que afronta valientemente este reto es magnífica, increíblemente cómica, expresiva y sumamente gestual y versátil manejando 9 dispares personajes en este monólogo. Muchísimo más de lo que esperaba, revisando su carrera como modelo, actriz y sobre todo por su apariencia amable, elegante y comedida, del cara a cara.
Ella capta tu atención en todo momento, interactúa con el público y consigue hacer de sus “defectos” su fortaleza y base humorística, al explotar claramente su acento español y cuestionar múltiples veces si necesita una operación de pecho o no para triunfar. Por supuesto, este es un trabajo conjunto con el director, Benjamin H. Kamine, que supo sacar lo mejor de ella, pero sobre todo del texto que fue especialmente traducido y adaptado para ella. Benjamin H. Kamine Benjamin H. Kamine

Emilio Williams estrenó en  Madrid “Medea Vindicada (no serían que esto es muy serio)” en el 2010 y el año pasado Ana Asensio decidió hacer suya esta obra y presentarla en NY, traduciéndola y adaptándola para ella y para la ciudad de NY, con referencias directas a esta ciudad y su idiosincrasia teatral. “He sido admiradora de Emilio desde que vi su primera obra en el 2007 en Madrid” explica Ana.

"Medea’sGot Some Issues” se presento ayer en la sala pequeña del Teatro Row en la Calle 42, junto al luminoso Times Square, formando parte del festival de monólogos mas grande del mundo, United Solo,  Es complicado hacerse un hueco en la escena casi infinita de NY, es difícil conseguir Sold Out y sobretodo que un festival te conceda una nueva fecha. Y esta obra lo ha conseguido.

Solo me queda una inquietud, será posible encontrar un titulo mejor para esta obra? Un nombre, tanto en español como en ingles, que este al nivel de esta cautivadora obra.

“Que Penélope Cruz se ande con ojo” son las palabras de la dura Amy Lee Pearsall en su crítica del NY Theater, y de verdad, así es, porque Ana Asensio es una actriz decidida dispuesta a producir sus obras para poder hacer los papeles y proyectos que deseas así que, tendremos que seguirla de cerca!

"Medea’sGot Some Issues”
Theater Row, 424 West 42nd Street , NY
United Solo Festival
Representaciones: 12 de Octubre y 4 de noviembre 2012 

Mariposas volando en Nueva York

Emocionante, intensa, humana, REAL. Así es la historia de las hermanas Mirabal que Repertorio Español presenta y lleva ya casi dos años en los escenarios de Nueva York.

“Poder contar, ya es un lujo” dice Dedé Mirabal, la única hermana que aún vive y relata sus recuerdos a una escritora dominicana, nacida en Nueva York, la cual admira a las hermanas Mirabal, que lucharon por liberar a su país del dictador Trujillo  y busca entender, a través de ellas, no solo la vida de esas valientes mujeres, si no también la época y la transcendencia que para cada dominicano esto tiene.

Para llevar a escena “En el tiempo de las mariposas”, esta obra se desarrolla entre el pasado y el presente, donde las historias se entrelazan, los tiempos se confunden, y los sentimientos se palpan. Se habla de revolución, de dictadura, de amor, de las mujeres, las hermanas, de los años 50, del aplatanamiento dominicano y la relación compleja con los Estados Unidos…Temas delicados, temas vitales. Todo ello tratado con un lenguaje audaz, poético y un fuerte simbolismo, tanto visual como verbal.

Una lucha y necesidad de cambiar el mundo, mucho más vigente de lo que quisiéramos. Porque esta historia se puede aplicar a muchos lugares y épocas. La transcendencia de esta obra es grande y así nos lo cuentan la dramaturga Caridad Svich y las actrices protagonistas, en el siguiente video:

 

“En el tiempo de las mariposas”, simplemente inspiradora y nostálgica.

“En el tiempo de las mariposas”

Producción de Repertorio Español
Por Caridad Svich, basada en la novela de Julia Álvarez. Dirigida por José Zayas
Protagonizada por Malena Ramírez, Zulema Clares, Dalia Davi, Inés García, Robmariel Olea, Teresa Pérez Frangie y Fermín Suarez.
http://www.repertorio.org/tours/index.php?area=ind&id=131&PHPSESSID=6aed5806ee931eab3942c8ca55663506

Carmen

Llevar a una española a ver la opera Carmen, siempre es un riesgo.
Y si además ella, no solo tiene en la retina la película de Saura, la de Aranda o el ballet de Bizet, si no que participo como extra en la opera y se la sabe de memoria. Aun más arriesgado.

Se trata de una versión extremadamente sencilla. Presentada por en Symphony Space y tocada por un único piano. Lo que adelanta ya que las voces y la música son lo importante, no la escenografía ni el vestuario. Además se representa en un escenario de concierto. Un escenario desnudo, de fondo negro en el que los gitanos y soldados se mueven ágilmente añadiendo, simplemente, pequeños elementos para mostrar la taberna o la cueva.

Buenas voces todas. Potentes y hermosas aunque no diría que del nivel de las grandes operas. Solo los dos protagonistas poseían la fuerza y capacidad interpretativa como pasar al siguiente escalón. Carmen mostraba un desparpajo y José, algo más incrédulo de lo que se suele perfilar, una pasión y energía que conseguían emocionarte.
Admiro la capacidad del piano de, el solito sostener toda una opera. Y así es, un único instrumento es capaz de transmitir toda esta historia.

Hubo un detalle que no tengo claro y otro que no les puedo perdonar.
Se trata de una opera en cuatro actos, agrupada en dos y cantada en su idioma original, francés,  con breves incursiones del ingles. Aunque no cortaba la historia, si eran momentos de cierto desconcierto y desconozco si era por reducir la extensión de la obra, por ser partes que musicalmente no se podían asumir con un único instrumento o por alguna otra razón pero, creo que es meter un elemento extraño en una obra maravillosa y yo hubiera preferido recortar esas partes sin interrupciones en otro idioma.
Pero el detalle que inexcusable y que desmejora la obra es la elección del TORERO. Un personaje de garra y carisma que aquí queda disminuido a una voz potente pero sin pasión. A pesar de no ser una representación exhaustiva de la opera, si se estaba interpretando el argumento y los dos protagonistas tiene grandes dotes que consiguen emocionarte. Por lo que, este cantante pagado de si mismo, que miraba más al público que a Carmen…bajaba la intensidad de sus escenas.

Es una Carmen sin opulencias pero sincera. Amada por cada uno de los artistas que lo representan, pasión que consiguen transmitirte y que por ello, supera la prueba de esta espectadora ESPAÑOLA. 

Lick But Don’t Swallow!

Una sala pequeña, ambiente cálido y aroma relajante provocado por ese cigarrillo de la risa al que ellos mismos acusan de atontar el criterio d la gente. Será eso lo que querían hacer con nosotros?

Esta obra cuyo titulo en español seria algo como “Chupar pero sin tragar” cuenta la historia de un ángel caído en el cuerpo de una estrella porno. Planteamiento rompedor de primeras, aunque el titulo ya nos adelanta el tono de la obra (del que yo no fui consciente al ir a ver la obra) y he de reconocer que un tratamiento del sexo de una manera tan ruda y clara, es posible que no lo haya visto yo antes en el teatro (yo).  Juntar porno con discurso político hacen que ambas cosas caigan en el ridículo y casi dejen de tener sentido al convertirse en antagónicos. Nada es sensual en esa escena. Nada es real pues igual que se finge el orgasmo se descubre fingido el discurso en el momento en que el ángel decide que el mundo mereceré la pena y aun mas cuando quieren jugar a que era un sueño pero tal vez no.
El discurso se convierte en ruido y el HAPPY END  en vacío. 

    Lick But Don’t Swallow!

Entendemos la estética cutre, al mostrar un tipo de estrella  que nada tiene que ver con las conejitas Play Boy pero la presencia de los técnicos en escena, y la ubicación de los subtítulos, no ayudan a la compresión y consecución de la historia donde claramente se podía distinguir quien entendía turco y quien leía la traducción.
Es posible que al ser una obra enmarcada dentro del Festival de Teatro Experimental Underthe Radar y representado en el Teatro LaMaMa esperara mas. Que las expectativas eran muy altas, que si una compañía viene de tan lejos deberían ser extraordinarios y donde el idioma no puede ser una barrera. Además el tema de los ángeles esta bastante trillado y mejores ángeles redentores enamorados de la vida hemos visto. Os recomiendo el "El Cielo sobre Berlín" de Win Bender con mayor realismo, poesía y transcendencia.

LICK BUT DON’T SWALLOW

January 4 – January 15, 2012
Co-Presented by The Public Theater’s Under the Radar Festival and La MaMa,
Biriken & Ayça Damgacı (Turkey)
Directed by biriken (Melis Tezkan-Okan Urun)
Written by Özen Yula

Alexis. A Greek Tragedy

Y después del 15 M, QUE?
Y después de Wall Street, QUE?!
Y cuando parece que nada ha cambiado, QUE?!

Motus Alexis Una tragedia greca . Photo by Pierre Broasci.

 

“Alexis. A Greek Tragedy” se traslada al año 2008, tomando la muerte injusta d un joven en manos de la policía, para reactivar el instinto de rebelión y recordar que uno a uno, paso a paso, se hace la fuerza, se hace el cambio. Enmarcada en el festival de teatro experimental Under the Radar Festival  y presentada en la sala mas versátil del Teatro La MaMa mezcla de documental, meta-teatro, mitología griega, interacción con el público e imágenes multimedia que se enriquecen en directo. Una entrevista a un testigo del 2008, la recreación del mito Antígona en el escenario con fotos en directo que se mezclan con artículos e imágenes reales de las manifestaciones que se van fusionando hasta crear una nueva realidad. Hasta mostrar que el presente se puede transformar y así dotar de sentido al pasado.
Es difícil plasmar aquí la energía y la fuerza de esta obra que se convierte en toda una experiencia y en un grito al cambio. Es el granito d arena de Motus para la Spring Revolution que no puede terminar.
La compañía Motus es de una zona anónima de Italia, de Las Marcas, de paisaje toscano pero sin el arte de las tierras vecinas lo que le han condenado al olvido. De una zona pequeña sin gran instinto indignado aparente surge una gran obra política. Pero esto de nuevo confirma que la revolución este en todas partes y cuando es buena se escucha.

ALEXIS. A GREEK TRAGEDY
January 4 – January 14, 2012
Co-Presented by The Public Theater’s Under the Radar Festival and La MaMa Motus (Italy)
Directed by Enrico Casagrande and Daniela Nicolò
Performed in Italian with English supertitles
WITH: Silvia Calderoni, Vladimir Aleksic, Benno Steinegger and Alexia Sarantopoulou.
Read also: "Back to the Barricades, Antigone" by New York Times.

Hamlet de Juan Diego Botto

Aunque la publique posteriormente, esta versión la vi antes que la de Pandur, en Navidad, y creo que ésta cambió mi visión respecto a la segunda.
Dramática, dura, casi desgarradora con una puesta en escena sencilla pero que transmite claramente y con toda la intensidad posible, la tragedia de Hamlet.

 

Grandes actores para el personaje de Hamlet, Juan Diego Botto,  que da cuerpo al desgarro y al dolor, y José Coronado, que con su sola presencia llena el escenario, para el tío.

Movimientos de escena, jugando con el escenario, las butacas y los primeros palcos para conseguir una mayor implicación del público con la obra.

La relación con Ofelia, interpretada con la dulzura justa por Marta Etura, ha sido lo que más me ha sorprendido, ya que, por las películas vistas, la recordaba más romántica y no tan ambigua y descarada como aquí se muestra.

Otro Hamlet he visto. Uno era el de mis recuerdos por la película de Mel Gibson o Keneth Branagh, donde predominaba el héroe romántico sobre el resto. El de Botto donde predomina la lucha familiar y el de Pandur donde predominan los deseos.

Hamlet: demasiada Bacanal

Desde que vi el cartel, con el rostro de Blanca Portillo ensangrentado, quise ver esta obra. Al descubrir que era de Pandur, tras haber enloquecido con Barroco e Infierno, no dudé ni un momento y movilicé a todo el mundo para comprar las entradas, incluso antes de que salieran a la venta, yo no podía perderme esta obra revolucionaria.


Grandes expectativas, para una obra mítica y un reparto único. Volver a ver a Asier Etxeandía en escena, era otro gran estímulo.

Un escenario espectácular, una ambientación envolvente y un arte increible para crear mundos, como los vivos frente a los espírituos o esos extraños amigos de Hamlet, reminiscencia doble de la Naranja Mecánica.

Como siempre un vestuario espectacular y dramático con unos actores entregados al máximo con fé ciega a una obra ante tanto artifico, golpe de efecto y desnudo, lo siento, pero aqui se le ha ido la oya, pierde fuerza y es imposible de entender y asimilar, perdiéndote la base de Shakespeare para quedarte con la bacanal.

Siento decir que me decepcionó. Que aunque la interpretación de ella es espectacular y muchas de las licencias son buenas, transforma tanto, pervierte tanto la historia, que duele.

Probablemente Hamlet es una obra demasiado compleja, como para añadirle el mundo de Pandur y al no haber sido capaz de simplificarla o quedarse con una parte, ha quedado un hibrido de 3 horas donde lo que más se recuerdan son los desnudos y los juegos con agua.

Lo mejor, sin duda, el Intermedio, con Asier al frente espectacular. Sin duda, una gran cabaretero!

LA OLA, para pensar

Un domingo cualquiera, al no conseguir acompañantes, entré en esta película, Die Welle - La Ola, simplemente, por ser alemana y tener como protagonista a un actor de serie que conocía y con el que simpatizaba. Pero sin duda, lo que encontré, me sorprendió e impactó.

Es una película sincera, sin tapujos, que invita a la reflexión y a buscar las similitudes con la realidad. Hay pensamientos, inquietudes que aquí se reflejan, que múltiples veces he pensado. Somos una generación sin una causa común, somos individuos soltados en una sociedad que sigue sin nosotros y donde cada uno busca su rincón. Es increíble lo importante que es sentirse parte de un grupo, y aunque es posible que en la película vaya demasiado rápido, al situarlo en un espacio tan corto de tiempo, aumenta la intensidad del problema y lo hace más evidente.

Para mi, lo que ha faltado, son los ideales. Me parece complicada semejante unión sin una base más sólida, sustentada sólo en la ropa o un logo, como una marca comercial más. Aunque es cierto, que en la sociedad ya existe, para la mayoría, una asociación con las tribus urbanas y además, esta basado en un hecho real, así que...

Planteada en un momento histórico duro, en el que parece importante recordar que no es imposible volver a caer en el error, que es mucho más fácil de lo que pensamos y que hay que aprender de la historia, para no repertirla.

Sin duda, una gran lección.

Auténticamente Barroco

Hacia tiempo que no esperaba con tanta expectación una obra.
Pocas veces he hablado tanto a todo el mundo sobre un espectáculo ni he conseguido crear tanta curiosidad alrededor de la misma.
El actor protagonista y la película n la q está basada esta obra, fueron los 2 grandes alicientes, pero el resultado, lo encontrado, fue mil veces mejor d lo q había imaginado.
El teatro decorado d arriba a bajo cn fotos n blanco y negro d la obra. Entras a la sala y, cm si hubieras llegado sin avisar, sin ser invitado, encuentras el escenario ya funcionando, los personajes ya están viviendo su vida sin esperar a q tú llegues!!
Desde ese momento comprendes q no es una obra normal y poco a poco te ves absorbido por ella. Juega contigo, te acongoja, maneja tus sentimientos cm si un personaje más fueras y se atreve a hablarte directamente a la cara.
Tiene muxo d metateatro, con esa voz n off q habla directamente con el público, q es en parte contexto y decorado.
Las Amistades Peligrosas tiene un argumento potente, quien va a ver la obra, sabe q no va a encontrar algo sencillo, pero aqui los sentimientos están elevados a su máxima potencia, están fuera de control y expresados con todas las armas posibles.
La escenografía, ese muro q se mueve, ahoga y apoya, según lo q haga falta. La expresividad de la fruta, los juegos d luces y los movimientos coreografiados hacen de Barroco una obra completa, cerrada, fabulosa en cada detalle donde cada pieza ha sido tocada por grandes artistas.
La vi dos veces, y la segunda m permitió apreciar detalles, q la primera vez no había descubierto anonadada por el flash de la novedad y d la agresividad e impertinencia q la obra expresaba. M permitió reconocer la película entre las frases, apreciar la coreografía dl bailarín y establecer mejor esos símbolos q m permitieron una mayor identificación con cada escena.
Sin duda, volvería a verla. Sin duda, invitaría a verla a todo el mundo pero, con valor, con la mente abierta para poder absorber lo que esta gran obra ofrece.

Beethoven. Decepciona sinfonia a sinfonia

Creo q es el último q vi d él, antes d enterarm d más infiernos ocultos n su compañía.
Aprovechando el aniversario d Beethoven crea 3 coreografías cn su música cn 2 d Eduardo y 1 d Víctor…decepcionan una a una.
Las 2 d Eduardo, 1 trío, idas y venidas d entre los bailarines son cm algunas d su maestro hace ya unos 10 años, pero sin los bailarines extraordinarios q él tenía.
Se une a la línea d Blanca Lee al jugar cn el escenario, cn los materiales y cn las texturas d la pared q la 1ª sorprenden y ds luego aportan, pero q no elevan la coreografía floja cn una música, q x clásina no potencia a los bailarines y no transmiten la fuerza suficiente d la historia. Lo siento, es Beethoven, tal vez no era la historia adecuada para él…
En cuanto a la coreografía d Víctor…q gran decepción!! Eduardo es sólo fruto d su maestro, ni más ni menos, ni es capaz d llegar más allá ni vivir, si no es su sombra, pero Víctor…q tantas grandes coreografías ha realizado, q cn Samsara le demostró al mundo, o x lo menos a España, la profundidad d su alma y td lo q se puede transmitir cn la danza, y ahora…n una historia d ciclo d la vida, n una infancia – vida – muerte…nos muestra una pantomima, coreografías corales y teatrales muy necesitadas d atrezzo y mimo, cd normalm d la manera más abstracta y sin complemento alguno, es capaz d expresar mucho más!!
M temo q Beethoven no les inspiró, y aunq no td puede ser cm Samsara, el Sur era un ballet correcto q cumplía cn sus objetivos.
No sé si la falta d brillantez entre sus bailarines le frustra, si haber dejado ir a las grandes figuras d la danza española le ha bloqueado pero tal y cm trata a sus bailarines, si no es capaz d darle más a su gente y mimarles un poco…nunca podrá tener la grandeza q un día tuvo.
Y mi inquietud ahora es pensar si volverá a conseguir una obra maestra cm Samsara dn tampoco tenía a los mejores bailarines pero sí tenía la mejor inspiración. Él ha hecho milagros, espero q vuelva a hacerlos.

Beethoven. Compañía d Victor Ullate. Teatro Albeniz. Madrid- marzo 2008