Bubi Canal interviewed by Spain Artist NY

Cheekily and warmly speaks Bubi Canal, a visual artist living in New York City, about his irreverent, sunny and amusing images that don't come from theory but from LIFE, his life, (his) friends and day to day.

• WHAT DO PEOPLE REMEMBER ABOUT YOUR WORK?

People usually say that my work is colorful, mysterious and fun. One of my favorite descriptions of my work was the title that Beautiful Decay used: Bubi Canal's Magical Wishes.

• WHICH ARE THE ISSUES THAT CONCERN YOU? And HOW DO YOU WORK WITH THEM?

My work is about me and how I relate to the world. I have the need to broadcast what is happening inside of me to the world. It makes me very happy to do this and to be able to help others the same way other artist have helped me believe in my dreams.
I use many different types of media such as photography, video and sculpture. I love to use found objects and to recycle plastic pieces from old toys and games. I like to create characters and to work with them in different locations and situations.
The people who appear in my work are people who are close to me, not models or actors. Sometimes I make self-portraits and perform in my videos, it's very easy for me work with my body.
Recently, I conducted a photography workshop in New York with an amazing group of students and it was a really wonderful experience for me to share and create with other people.

 

• HOW DO YOU MANAGE YOUR WORK BETWEEN USA AND EUROPE?

I feel very lucky because people can appreciate my work in different countries and I like to connect with different cultures.
I'm learning a lot by doing shows in different places. I present my first solo gallery show in New York at Munch Gallery until May 10th. It's so awesome to share my new works in Manhattan. I'm so excited and happy to have the opportunity to be doing this show!

• TELL US, WHY NEW YORK?

I was born in Santander. I lived in Bilbao, where I studied Fine Arts and then I lived and worked in Madrid for seven years. I always wanted to live in New York, a lot of artists that have inspired me have lived here and I really appreciate American culture.
I moved to New York in 2011 for love and it was the best decision that I've made in my life. I know so many fantastic people here and I'm experiencing exciting and new things every moment.

• Can you explain WHERE COMES YOUR INSPIRATION FROM, WHAT IS THE MOST MAGICAL PLACE FOR YOU IN NEW YORK?

Everything that is around me can inspire me.
I especially like to look inside myself for inspiration.
In New York I love Coney Island. I'm not sure why, but I feel a special energy there. It is a very magical place to me. I've not used Coney Island as a location in my work yet, but I'm certainly going to do so in the near future.

Bubi Canal - Trust In Me from Bubi Canal on Vimeo.

• And to finish this conversation, YOUR ADVICE FOR SPANISH PEOPLE THINKING ABOUT COMING TO THIS UNIQUE CITY:

I can't say enough how strongly I urge my fellow Spaniards to come to New York City. The city is very open to everybody and it felt like home for me from the first day I arrived here.

Magic things have happened to me here, and they could happen for you too.

Publish by Spanish Consulate in NY at February 2^nd, 2013 http://www.spainculturenewyork.org/beta/cms/mapping-the-arts/spanish-creators-in-ny/spanish-creators-detail/?tx_ttnews%5Btt_news%5D=31&cHash=65d72b8994b6dfaa3a5609d66d3db912

Laia Cabrera Interview at Spain Culture NY

We meet in a popular café in the East Village, one block from the Theater for the New City where Laia presents "Garden of Delights", to chat about her career as a filmmaker and video artist where she merges cinematic arts, dance, music, theater and visual arts.

• Tell me, WHAT DO PEOPLE REMEMBER ABOUT YOUR WORK?

So many people have said, wherever they see my work implemented in a short-film, video-installation or multimedia theater play, they always see something that is more or less a signature, a language or something particular that identifies me.
I think it is the cinematic method, whichever discipline I approach, merging different languages and creating something that reminds us of notions of IDENTITY, and is still figurative, and has composition. In my work I'm looking for symbols and conceptual images. There are a lot of mental descriptions, ideas and dreams becoming objects. I mean, all objects are more than what first meets the eye. So yes, I think there is a signature; the symbolism, the metaphoric and the visual poetry that kind of defines my work.

Also Jennifer Dunning from New York Times thinks Cabrera has a unique voice: "I'm familiar with Ms. Cabrera's work and have been impressed with the seemingly instinctual feel of her work. One recognizes her individual artistic voice even as it seamlessly enriches the choreographic whole. Ms. Cabrera is a deft multimedia artist whose talents would be of great use to American choreographers in general...

• WHICH ARE THE ISSUES THAT CONCERN YOU?

IDENTITY has been a long topic of research in my previous work and is still one of my major focuses.
I have already started back in Barcelona with "Neutral Identities", which is an exhibition-interactive-performance-installation. We won the KrTU Young Creators' award that gave us this opportunity to grow and invite other artists to think about identity for this project.
We transformed it into an international collaboration and created an exhibition to present in different museums and cities that, back in the 90s weren't as frequented as nowadays.
From there on, I think in all my films and video installations, there has always been themes of time, memory, choice, beauty, desire, micro and macro and the transitory nature of life and our intent to grasp, capture the instant... all the different levels of the mental journey of identity.

She already mentioned KrTU Young Creators award, but Laia Cabrera is the recipient of many awards including Conca Grant and Kodak&Color Lab award for Best Cinematic Film for "Under Influence". She also directed "Invisible", "Singularity", "Is There an Edge of Belief?", presented in festivals worldwide. Award-winning writer and composer, she also edited "Cachao" with Andy Garcia (PBS's American Master) among other films.
Her artwork includes traditional and experimental filmmaking, multimedia theater and installation performances "Garden of Delights" (Theater for the New City - NY), "Mapping Möbius" and "Landscapes of the Soul" (La MaMa - NY), "Resonant Streams" (Saint John the Divine,-NY), "Claim your Place", "Playing Equality", "Walk-Pasa-Bouge", and "Shifting Gaze" performed in the US and Europe.

• Your first project was already an international exhibition, HOW DO YOU MANAGE YOUR WORK BETWEEN USA AND EUROPE?

All my works, since 1997 when I arrived in New York, have been produced here but have always had the intention of reaching out to Spain or Europe in general. A lot of the pieces we produced in the last years were either premiered or performed in Spain.
THERE IS ALWAYS THIS WILL TO CREATE THE BRIDGE, to be able to stage at home. One of my last pieces "Shifting Gaze" premiered in Times Square, New York for the "Spain Art Fest'10" and has been presented at "Region Ø Latino Video Art Festival of New York" and screened in different venues in the US, Europe and South America. My film "Singularity" inaugurated the International video animation festival "Animac" in Spain and another "Is there an edge of Belief?" went to the International multidisciplinary art festival "Jaen en Femenino" and the Biennal Internacional ULA 2010, Mérida, VENEZUELA. Recently, we performed in Belgium and France with our two latest video performance installations.
And so far, I'm very happy with the work that the Spanish Consulate is doing here, helping, connecting and promoting the artists here and there. They are supporting the notion of being a Spanish artist abroad, without that geographical limit.

• Tell us, WHY NY?

I studied cinema in Barcelona, I was really happy, I had amazing teachers such as Román Gubern, and co-directed a film research project with Josetxo Cerdán but it was really academic and I always felt that it needed something more. Then two things happened at the same time that directed me to New York: suddenly, one of my closest friends was studying here and at that time I was involved in a research project, in an international exhibition and we had to travel to New York to meet some of the artists; and when I arrived to New York I felt creation was more hands on, there was something that made it possible to do projects, not only thinking, writing and conceptualizing them, and it was important for me to step forward. I was fortunate to meet the right people in the right time and after two years I decided to stay here and co-create with Maria Litvan the film and theater Company Vertiginosas islands producing film and theater plays.
I'm very happy to be enriched and challenged by people from all over the world, with different mentalities, cultures and disciplines. I understood that here, if you want to do a project, you will always find someone willing to collaborate. Maybe they are not the ones you thought, but it really works.

Currently she is the creative director of LAIA CABRERA & CO, co-founded with French visual artist Isabelle Duverger, an international team of film, music and visual artists producing a wide range of multimedia projects as "Shifting Gaze" in collaboration with musician Erica Glyn, "Walk, Pasa, Bouge" in collaboration with Brussels-based company Lorrojo, a video dance film "untitled" with dancer and chorographer Catherine Correa among others.
She is a long time collaborator of The New Stage Theatre Company, LiquidBody Media, Movement and Dance, member of the Board of Director of Topia Arts Center, Adams, MA and an advisory board member at the Fashion Institute of Technology (FIT) and director of their annual film documentary.
Laia plays with music, video, storytelling, dance, photography, theater, visual arts... to create a new visual world. Let's check some quotes about her work:

• First and foremost, a message from Fernando Arrabal himself after seeing The New Stage Theater staged version of his play Garden of Delights:"A truly inventive work, an authentic research of the text polysemy... and of its staging... I believe Jerome Bosch himself would have enjoyed this approach; his fantasy at once controlled and seemingly unbridled... the videos... I would love that a show of this quality that it meets the success it deserves... Congratulate all the team once more... I have fond memories of my evening..."
• "The music was brilliant and brilliantly matched to the images, which were arresting and evocative. And, the way that the audience stood looking in all different directions, constantly looking just past each other..." Marie Glancy O'Shea - Journalist and editor
• "HUGE talent, HUGE. I am blown away. What a great performance piece. Unique, exotic, moving and best part: had my mind spinning on the ride home... questioning, thinking." Andrea Costa, former TIME Magazine Art Director

• WHAT INSPIRES YOU IN NEW YORK? WHICH PLACE?

I like Downtown, probably because it is more European... I like the neat cafes, the small places, and the life that the streets have. I find it very exciting to see the spontaneity and the extravaganza that the city has. You can find amazing things in very small places. You always have to be open and challenge yourself to be shocked, surprised and to learn and prepare, not to worry about the label because anyone can bring you something new and inspiring.

• And to finish this conversation, YOUR ADVICE FOR THE PEOPLE COMING TO THIS UNIQUE CITY

If you come to New York it is very important to remind yourself of the reasons you came.
Keep fighting; it is very easy to get distracted from your goal. The city is challenging in many aspects and sometimes you can get tired but IT'S WORTH IT. Probably at the beginning you can be fascinated and at the same time disillusioned because it can be tough.
But keep your goals, keep fighting because is really rewarding in sense of energy, spirit and inspiration.

Published at Spain Culture New York, Consulate General of Spain in NY's website, on December 13th 2012: http://www.spainculturenewyork.org/beta/cms/mapping-the-arts/spanish-creators-in-ny/spanish-creators-detail/?tx_ttnews%5Btt_news%5D=30&cHash=774a3ad0866293455b2a3b5929c404d6

Musicales: ¿en cine o en teatro?

En Nueva York he visto dos musicales que esperaba con emoción tras el impacto que me había hecho la película pero que, al verlas en teatro, me decepcionaron. E igualmente, me entregué a los Miserables en su primer día de estreno en la gran pantalla y…no encontré lo que esperaba.
Por esto, pensé que era interesante ver que no siempre funciona el traspaso del musical al cine pero que a veces, la película supera al musical.

Este es mi opinión personal ante 4 musicales que han llegado a película:

HAIR

Es una de mis películas favoritas que me sabía de memoria. El primer día que llegué a Nueva York, tras mil horas de vuelo y con el cambio de hora, me apresuré a ver este musical en mi Broadway soñado. La película es bastante diferente del musical, y yo no lo sabía.

Investigando sobre la obra, marco un antes y un después en el teatro musical. Fue un milagro que se produjera, y que tras su estreno en Off Broadway en 1967, llegara a Broadway solo un año después, mostrando fielmente el movimiento hippie que estaba pasando en la calle, y muchos ignoraban, y llevando al teatro a un público joven, que hasta entonces no iba.

Hair, subtitulado The American Tribal Love/Rock Musical, es una ópera beat sobre la cultura hippie de los años 1960 en los Estados Unidos, incluyendo el amor, la paz, la libertad sexual o el uso de drogas, todo lo cual produjo cierto impacto en la época, incluyendo los desnudos integrales de todos los actores en algunas escenas.

En 1979 se produjo una película del mismo nombre pero que no respeta del todo el argumento del musical, y no fue bien aceptada por los creadores del musical.

Esta es la obra que a mí me llegó y vi primero. La película excluye un par de canciones y modifica otras pero sobretodo, la gran diferencia es que se enfoca en el mensaje social y político y se posiciona claramente sobre la guerra del Vietnam. El musical solo pretendía mostrar una nueva forma de vida.

En mi caso, la película me llena más que el musical, al tener mayor compromiso, fuerza narrativa y dramática.

Los Miserables

“La película de las Navidades” cantaba el cartel publicitario que empapelaba NY y Madrid. “Una de las películas más esperadas del año” y “8 nominaciones a los Oscar”, rezaba también.

Vi el musical en Londres, con dos amigas en la primera primerísima fila donde pudimos sentir toda la fuerza de tan dramática historia y tan dura batalla. La escena de la bandera roja…se ha quedado grabada en mi retina.

Los Miserables es un espectáculo musical basado en la novela de Víctor Hugo, Los Miserables, estrenada en París en 1980. Cuenta la historia del convicto en libertad condicional Jean Valjean quien, al no encontrar trabajo honesto por culpa del papel que lo acredita como ex convicto, cambia su identidad para volver a vivir su vida.

Con gran expectación y entusiasmo ante un musical con tantas caras conocidas, me sumergí en esta película que con demasiado primer plano y personajes esperpénticos, me desencantó.

Primeros planos que hacen que me pregunte qué está pasando alrededor, primeros planos con los que pierdes las voces del conjunto y pretenden dar intensidad dramática, sin conseguirlo.

Las imágenes de la ciudad, los barcos, las barricadas…es más gráfico en su pobreza pero no más hermosas visualmente ni más conmovedoras. El espíritu revolucionario se representa magistralmente en el escenario y es ahí donde hay que buscarla!

Mamma Mia

El musical basado en las canciones del grupo sueco ABBA se estrenó en Londres en 1999 y la película estadounidense en 2008. Ahora mismo se está representando en NY, Londres, Stuttgart y Moscow y está de gira por Francia, Japón y Korea.

Es un musical de empaque frívolo y alegre, pero mucho más rebelde e irreverente de lo que parece. He aquí el ARGUMENTO: Sophie Sheridan es una chica de veinte años que vive junto a su madre en una isla griega. Está a punto de casarse y quiere descubrir una cosa: quién es su padre. Por ello, y sin que su madre lo sepa, decide invitar al evento a tres hombres con los que ella tuvo una aventura.

En este caso vi el musical en Madrid, la película en Alemania, y el musical de nuevo en Broadway, esperando que este mejorara la versión vista en Madrid, protagonizada por Nina de Operación Triunfo pero…no fue así. A pesar de los 11 años que esta obra lleva en uno de los más antiguos teatros de Broadway, Winter Garden Theater, me temo que la película ha llenado Mamma Mia de imágenes de Grecia, de mar y casas blancas con tejados azules, que embellecen la obra de tal manera que el teatro ya no lo puede emular.

En esta historia, se puede caer fácilmente en el humor fácil, y el musical lo hace. Los personajes son superficiales y no se penetra suficiente en cada uno de ellos. Sin embargo, con el mismo argumento, en la película se consigue una mayor identificación y conocimiento de cada uno, gracias a los primeros planos, a la escenografía y a unos actores bien conocidos que se arriesgaron con esta película, a pesar de no ser cantantes con una valentía que me encanta.

Para mí, la película ha superado al teatro.


Phantom the Opera

Me regalaron la banda Sonora del musical londinense, antes de ver el musical. Vi el Fantasma de la Ópera en Madrid con mi abuelo, la película en alemán con mi madre en Berlín y de nuevo el musical en NY con las niñas.

Y cada vez, absolutamente todas las versiones me han llegado al alma por que la música de Andrew Lloyd Webber traspasa cualquier idioma y el amor, terror y misterio de la historia cualquier formato.

Tras numerosas adaptaciones de la novela de Gastón Leroux, la versión más popular, y la que yo he visto, es la de Lloyd Webber de 1986 y su posterior película en 2004.

Los datos del musical teatral son abrumadores: la obra creativa que ha ganado más dinero (mundialmente ha ganado 3,2 mil millones de dólares), más de 50 premios a nivel mundial, es la obra que más ha estado en Broadway y más de 100 millones de personas la han visto.

Por supuesto el teatro tiene una cercanía y magia única, pero la sala oscura ante una gran pantalla también. Soy incapaz de elegir así que lo importante es entregarse a esta obra sea donde sea.

Una gota imprescindible en el océano - CLOUD ATLAS

Era un día de esos, en los que necesitaba despejar la cabeza y sumergirme en otro mundo. Fui directa al cine sin saber que película ver y el poster de CLOUD ATLAS , plagado de caras conocidas en un contexto extraño, me sedujo.

Tom Hanks, Halle Berry, Susan Sarandon o  Hugh Grant, entre otros, protagonizan esta película coral que muestra varias historias que se desarrollan en el pasado, el presente y el futuro y donde cada una de ellas está contenida en la anterior, y todas están enlazadas entre sí por pequeños detalles.

Es una película cautivadora, desbordante, que invita a la rebeldía y cree en el individuo. Son tantas historias, tantos detalles, tantos personajes, que te atrapan y mantienen pendiente de lo que va a pasar.

Salí de la película energética con ganas de saber más de esos mundos y de los creadores de esta obra. Al ver que eran los mismos que de MATRIX, lo entendí todo!  Los hermanos Andy y Lana Wachowski le pidieron a Tom Tykwer (el director alemán de El Perfume) que codirigiera con ellos esta obra pasada en la novela de David Mitchell, entendiendo con “codirigir” que dirija varias de las historias, de manera que, en la película se puede distinguir el estilo de cada uno de ellos, en las diferentes historias entrelazadas. Sé que suena un poco confuso, pero me resulto absolutamente fascinante cuando lo leí en el New York Times , en una critica que desvela demasiado si no la has visto, pero cuenta detalles fascinantes y con la que comparto totalmente la opinión.  

La fotografía es absolutamente maravillosa, llena de detalles capaz de crear diferentes mundos y tiempos. Es fascinante el desarrollo de cada una de las épocas con un lenguaje, ropa y hasta forma de moverse únicos. Además, es un ejercicio divertido el intentar descubrir a cada uno de los actores en los diferentes escenarios, donde rasgos físicos y del carácter se mantienen, pero donde no han tenido miedo a transformar la raza, el sexo y los valores. Por ejemplo, la transformación de la surcoreana Bae Doo-na en una irlandesa-americana del 1849 es increíble. Una infografia que lo explica muy bien es la de Cinema Blen.

El futuro cercano, reflejado en el mundo asiático, que es el que parece estar ya mas cerca de él, está lleno de imágenes virtuales y táctiles, en el sentido de que pocos elementos de la vida cotidiana son reales (una ventana y su paisaje) si no que son creados (a partir de una pared de cemento donde virtualmente se crea una habitación bien diseñada). Una parte de mi se inquieta ante este tipo de recreaciones, y más aún por saber que el futuro más lejano siempre lo pintan como catastrófico. Aunque he de decir que esta película es claramente positiva y esperanzadora.

CLOUD ATLAS está flasificada como "cine épico" y así lo es!! Está hecha a lo grande, aspira a ser recordada, al igual que Matrix, a formar parte del imaginario de todos. Creo que por esta razón, es una película  autocomplaciente y demasiado evidente en  cierta manera, al desvelar sin miedo sus intenciones y cerrar claramente el final con imágenes, discursos y reflexiones.  

El estreno en USA fue el pasado 26 de octubre, pero me temo que a España no llega hasta febrero, así que ya simplemente cierro con  una de las frases de un protagonista, que bien resumen el espíritu de esta obra: ¨Cada uno es una gota en el océano, pero en realidad, de qué se compone el océano si no es de gotas”.

CIFRAS en NY

El Consulado de España en Nueva York y AENY se han unido para darles un escenario a dramaturgos españoles, en la búsqueda de estrenar sus obras y “Give Me a DamnStage!” es la manera. Una serie de lecturas realizadas ante un reducido y exclusivo publico en Repertorio Español del 22 de octubre al 7 de enero 2013.

Yo asistí el pasado martes con enormes ganas de ver la obra CIFRAS, en un escenario. Aunque fuera un primer esbozo, me moría de ganas por escuchar el monólogo del capitán y a su luchadora mujer.

 

CIFRAS pone en ficción la vida de los once marineros del barco pesquero ‘Francisco y Catalina’, que en el año 2006 recogieron a 51 inmigrantes y estuvieron una semana sin poder entrar a puerto mientras se resolvía el conflicto diplomático entre Malta y España.

La puesta en escena es compleja ya que la historia transcurre en tres espacios diferentes, el barco en el que conviven marineros y náufragos, la esposa luchando para que se escuche lo que esta pasando, y los diplomáticos resolviendo el problema internacional que se ha creado. Evidentemente esto aún es una lectura y lo importante es el texto y han optado por simplificar el movimiento en escena, ubicando en el centro a los actores cuando hablan y silenciando al resto sentándoles en los laterales. Cada uno de los actores se salían del personaje, a excepción del capitán, un personaje con numerosos conflictos que seguía avanzando la historia a pesar de no ser él el foco de atención.

Los dos actores protagonistas, Sebastián Galvez  y Beatriz de La Cruz, te conquistan en su lucha individual y en la relación entre ambos que va evolucionando a lo largo de la obra. También impacta el cocinero, con su visión del mundo a través de las cifras, pero algunos de los secundarios pierden fuerzan y no llegan al público.

 

El texto de Mar Gómez, premiado con el Premio Calderón de la Barca, es cautivador. Partiendo de una noticia real, crea personajes complejos y creíbles, con sus ambigüedades, defectos y complicadas relaciones personales entre ellos. La inmigración, los conflictos políticos y el uso de los medios de comunicación e internet, son tremendamente actuales y se cuentan con simplicidad, ingenio, poesía y hasta humor.

Como el propio director, explicó, esta lectura pretende ser un workshop, parte del proceso de creación de la obra por lo que la voz en off y el Foro, es un elemento que a trabajar aún. Es un gran primer paso para darle voz al texto escrito y comprobar la fuerza del mismo antes de crecer y explotar todo lo que esta obra puede llegar a ser.

Espero pronto ver CIFRAS en todo su esplendor!

European Young Directors’ Forum

“Building Bridges” it’s the name La MaMa gave to the Conversation we had. “Cultural Exchanges” is the one I would have chosen.

This panel, part of European Young Director’s Forum presented by La MaMa and European TheatreConvention, give the opportunity to directors, producers and actors from Europe and US to share and discuses their experience performing their works abroad. David Diamond moderates the conversation where anonymous and renowned talk together, such as Anne Bogart, Paul Knieriem (The Netherlands), Ana Tomovic (Serbia), Meiyin Wang (Under theRadar Curator) and Bastian Kraft (Germany).

All together on a circle talk and talk and talk. There weren’t big conclusions or lesson, but really interesting topics to think about. Bellow you can see some quotes to think about:

“There is not RIGHT or WRONG in theater. Just try something!”

 “When you go to the theater, you’ve to be OPEN to a new experience.”

“To present a play in another country, another culture is a huge experience, for everyone, performers and audience”

“We are afraid to art as we are afraid to sex”

“When you create a play with another nationalities or cultures, you bring out questions you never consider before”

Luba Lukova's Posters: Colorful and Controversial.

I stopped by La MaMa Galleria to see Luba Lukova’s Graphic Cuts exhibition and get deeply moved for the images she presented. The posters are colorful and simple, but the issues are strong and controversial.

She was there and I didn’t miss the opportunity to talk to her and what she had to say was so interesting I decided to record it with my phone and share it with you.

We talked about Art, Social Movement, Social Media, Theater and Ellen Stewart, La MaMa’s founder.

Luba Lukova's Interview from La MaMa on Vimeo.

Luba Lukova was the first artist I interview for La MaMa when I arrived in New York last February, and I was touched by her social activists and we share the believed that ART CAN CHANGE THE WORLD.  

Internationally recognized, New York based Luba Lukova has held solo exhibitions at UNESCO in Paris, DDD Gallery in Osaka, La MaMa Gallery in New York, and The Art Institute of Boston. Her work is represented in the permanent collections of New York's Museum of Modern Art, the Library of Congress, the Bibliothèque nationale de France in Paris, and the World Bank. She is the author of the critically acclaimed Social Justice poster portfolio containing visual reactions to many of the pressing issues of our time. Lukova's new book, Graphic Guts (Clay & Gold), featuring her social commentary art will be published later this year.

After that day I’ve followed her job through Facebook, an open window to her powerful work that exhibits all around the EEUU. Her newest work, “Gender Inequality” triptych are a punch!! Revealing, unrelenting and with a cruel sense of humor http://altpick.com/calendar/2026


* The interview was made last February 24^th 2012, before Obama Re-election, before European Crisis get deeper before…before…before...

Laura Madera speaks with NY Theatre.com about "39 Defaults".

Now is me the one answering Questions to NY Theatre.com!!

Q: What is your job on this show?

A: Producer & Marketing Manager

Q: What type of theater do you like most to work on?
A: I need to believe in everything I do and this play is full of passion. Everybody involved really love the text and concept of the play. I believe in theater as a form to change society. "39 Defaults" speaks about politics, social rights, human relations, intimacy, trusted and ideals. Important issues to keep in mind.

Q: Why do you do theater (as opposed to film, or TV, or something not in the entertainment field)?
A: The theater has the face to face magic. You never see the same play twice, and each time you find different details. I love to feel the action next to me. At "39 Defaults" doesn’t exist border between audiences and actors and it’s an amazing experience!

Q: How did you meet your fellow artists/collaborators on this show?
A: Fifth Wall is a really small company growth organically. I mean, the play itself requested what it needed. Each member is a friend of a friend that gives what better can do. I’ve worked almost 10 years in marketing and determinate the image and strategy of this play.

Q: Which “S” word best describes your show: SMOOTH, SEXY, SMART, SURPRISING?
A: I would say something between SEXY and SURPRISING. I think the two main characters are charismatic characters I would like to meet further. And surprising because one of the caracters has an unexpected change. 

Q: Theater is a necessary ingredient in democratic societies. Do you agree or disagree, and why?
A: Theater is a free and fast form to express society. "39 Defaults" was written on Occupy Wall Street background and the first workshop was 3 months after that.

Publised at NY Theatre.com, November 11th
http://www.nytheatre.com/NytheatreNow/QandA/laura-madera--defaults

Robmariel Olea: Actriz, Maestra, Twittera y Mariposa.

Robmariel Olea vuelve a Santo Domingo con ocasión del Festival de Cine Global Dominicano (FCGD) que se presenta en Santo Domingo, Santiago y cuatro puntos más de la isla, del 14 al 21 de noviembre.

Almomento.net ha estado con ella en Nueva York, para conocer su participación en este Festival, su presencia en Nueva York y sus próximos proyectos.

Robmariel, CUENTANOS TU PARTICIPACIÓN EN EL FESTIVAL DE CINE GLOBAL DOMINICANO:

Es el 6º año que este Festival se celebra y este año estoy honrada con ser una de las invitadas a presenciar el festival y además a impartir un “Taller de Actuación” donde voy a hablar sobre mi experiencia aquí en Nueva York y en Lee Strasberg durante dos años. Me siento muy afortunada de poder transmitir todo lo que yo he aprendido con otras personas que tengan las mismas inquietudes que yo y de formar parte de este Festival, porque el cine en Republica  Dominicana es un mercado en desarrollo y este es un festival super importante e interesante ya que se van a poder ver piezas nacionales e internacionales, con talleres, invitados internacionales como Philip Bloom o Sharlene Taure.

Robmariel Olea lleva dos años en Nueva York, desde que abandonó su trabajo en los medios de comunicación para estudiar actuación en Lee Strasberg Film and Theater Institute en Nueva York. Ahora mismo forma parte del elenco de la intensa y humara “En el tiempo de las mariposas” , la primera adaptación de la novela de Julia Álvarez sobre la ida de las hermanas Mirabel, en la que Robmariel Olea protagoniza a la propia autora. QUE SIGNIFICA PARA TI REALIZAR “EN EL TIEMPO DE LAS MARIPOSAS”?
 

Yo llevo ya casi un año en esta obra y para mi ha sido una experiencia muy grata, primero porque estoy acompañada por un elenco de primera, Malena Ramírez, Zulema Clares, Dalia Davi, Inés García, Teresa Pérez Frangie, como las hermanas Mirabel y Fermín Suárez, realizando todos los actores masculinos. Ellas y él, son actores maravillosos.

Segundo porque es una historia que esta muy viva todavía en mi país y que todavía nos toca muy profundamente. Y por último, me he quedado impactada por el éxito que ha tenido esta obra en Nueva York, porque mantener un espectáculo durante dos años, a casa llena siempre, en una ciudad con tantísima oferta como ésta…es increíble y me siento muy honrada de formar parte de ello.

Este montaje de la prestigiosa compañía Repertorio Español , se desarrolla entre el pasado y el presente, donde las historias se entrelazan, los tiempos se confunden, y los sentimientos se palpan. Se habla de revolución, de dictadura, de amor, de las mujeres, las hermanas, de los años 50, del aplatanamiento dominicano y la relación compleja con los Estados Unidos…Temas vitales pero delicados. QUÉ PUBLICO HA ENCONTRADO AQUÍ EN NUEVA YORK y CÓMO SE RECIBIRÍA EN REPÚBLICA DOMINICANA?

El rango de publico que hemos tenido es muy amplio, tanto hispanos como estadounidenses. Aunque la obra es en español, cuenta con un sistema de traducción simultánea, como en la ópera, por lo que aquellos que no hablan este idioma pueden seguirla sin problema.

Por lo tanto es una obra que puede representarse en cualquier parte y este es un gran montaje, es una obra de arte y estoy segura de que República Dominicana tendría un gran respaldo. Porque, en concreto este montaje, de Caridad Svich y dirigido por José Zayas, no se ha llevado y podría ser un proyecto interesante. Los efectos visuales, la escenografía, la música…todo, es una gran obra, como dicen por ahí, ¡un proyecto redondo!

Hablando de República Dominicana, allá trabajaste en proyectos de gran éxito, tanto en televisión, “Boruga Fat Free” o “Mango en Directo”, como en radio “Con las Pilas Puestas” y “Botando Gente” e incluso musicales como “Homenaje a Michael Jackson” y “Fama” con la que recorriste Latinoamérica. ¿CÓMO TE DECIDISTE A DAR EL SALTO?

       Fue toda una aventura decidir venir a Nueva York y arrancar prácticamente de cero. Pero me   siento feliz de haber tomado la decisión.

En Republica Dominicana, ya tenía una carrera estable y siempre es bueno retarse a uno mismo y ampliar el radio de acción dentro de lo que es el arte.

CUÉNTANOS TUS PRÓXIMOS PROYECTOS:

Además de la charla en el Festival de Cine, ahora mismo estoy recibiendo y valorando algunas ofertas, de las que no puedo hablar todavía.

Se están moviendo algunas cosas aquí en NY, “Bésame mucho”,  también con Repertorio Español, que es una antología musical de canciones compuestas por artistas latinas, por lo que tendré la oportunidad de cantar. ¡Es un proyecto bien bonito!

Y además, tengo algunas cositas en la ciudad de Miami. 

Entonces tu idea es COMBINAR NUEVA YORK, SANTO DOMINGO MIAMI...

Yo creo que los artistas tenemos que estar abiertos porque los proyectos se mueven de un sitio a otro y el espacio geográfico a mi no me limita. Si hay un proyecto aquí en Nueva York, si está en Miami, en España o en Santo Domingo yo lo hago, yo estoy totalmente abierta a moverme.

Yo ante todo busco proyectos que me llenen como actriz, que me hagan sentir. Proyectos que me despierten pasión e interés y por los que quiera entregarlo y dejarlo todo.

Y en todo este mundo sin fronteras geográficas, QUÉ PAPEL JUEGAN LAS REDES SOCIALES, porque cuentas con 9.200 seguidores en Twitter @robmariel y 2.100 amigos en Facebook.

Para mí, la comunicación a través de Redes Sociales es una manera de mantenerse en contacto con gente de todas partes del mundo.

Cuando estuve en “Fama” mis compañeros eran de Venezuela, Cuba, Argentina, tengo amigos dominicanos en la isla y también otros que están fuera, y personas que han seguido mi carrera desde republica Dominicana y siguen dándome su calorcito ahora por Facebook y Twitter.

Creo que las redes sociales deberían servir para dar ese cariño que la distancia geográfica a veces no te permite. Aunque también entiendo que las relaciones no se pueden limitar a las redes sociales porque se volverían frías.

En verdad yo me siento super agradecida con toda la gente que se mantiene en contacto conmigo mediante Twitter.

Publicado el 9de noviembre 2012 en Almomento.net      http://almomento.net/articulo/123130/Robmariel-Olea-en-el-Festival-de-Cine-Global

Medea, una mujer de s. XXI

“Medea’s Got Some Issues” presenta a la polémica Medea de Euripides, como una mujer de nuestra época, valiente y desafiante que solo quiso defender lo que era suyo, su vida, su honor y su marido, al precio que hiciera falta. Así, 2.400 años después, Medea tiene su propia voz y cuenta su historia, cargada de humor, pasión y sarcasmo.

Ana Asensio, la actriz que afronta valientemente este reto es magnífica, increíblemente cómica, expresiva y sumamente gestual y versátil manejando 9 dispares personajes en este monólogo. Muchísimo más de lo que esperaba, revisando su carrera como modelo, actriz y sobre todo por su apariencia amable, elegante y comedida, del cara a cara.
Ella capta tu atención en todo momento, interactúa con el público y consigue hacer de sus “defectos” su fortaleza y base humorística, al explotar claramente su acento español y cuestionar múltiples veces si necesita una operación de pecho o no para triunfar. Por supuesto, este es un trabajo conjunto con el director, Benjamin H. Kamine, que supo sacar lo mejor de ella, pero sobre todo del texto que fue especialmente traducido y adaptado para ella. Benjamin H. Kamine Benjamin H. Kamine

Emilio Williams estrenó en  Madrid “Medea Vindicada (no serían que esto es muy serio)” en el 2010 y el año pasado Ana Asensio decidió hacer suya esta obra y presentarla en NY, traduciéndola y adaptándola para ella y para la ciudad de NY, con referencias directas a esta ciudad y su idiosincrasia teatral. “He sido admiradora de Emilio desde que vi su primera obra en el 2007 en Madrid” explica Ana.

"Medea’sGot Some Issues” se presento ayer en la sala pequeña del Teatro Row en la Calle 42, junto al luminoso Times Square, formando parte del festival de monólogos mas grande del mundo, United Solo,  Es complicado hacerse un hueco en la escena casi infinita de NY, es difícil conseguir Sold Out y sobretodo que un festival te conceda una nueva fecha. Y esta obra lo ha conseguido.

Solo me queda una inquietud, será posible encontrar un titulo mejor para esta obra? Un nombre, tanto en español como en ingles, que este al nivel de esta cautivadora obra.

“Que Penélope Cruz se ande con ojo” son las palabras de la dura Amy Lee Pearsall en su crítica del NY Theater, y de verdad, así es, porque Ana Asensio es una actriz decidida dispuesta a producir sus obras para poder hacer los papeles y proyectos que deseas así que, tendremos que seguirla de cerca!

"Medea’sGot Some Issues”
Theater Row, 424 West 42nd Street , NY
United Solo Festival
Representaciones: 12 de Octubre y 4 de noviembre 2012