From Brooklyn's appartment to La MaMa E.T.C

In December 2011, an early version of “39 Defaults” played in an apartment in Brooklyn for three weeks. Only 12 people were allowed in the audience. One of them was the producer of Teatro Stage Fest where we officially premiered, in June 2012. The venue where we played, Casa Mezcal NY, asked us to come back in November and December 2012, where, the programming director of the most renown downtown theater, La MaMa Experimental Theatre Club, chose us.

On January 31st 2014 La MaMa presents “39 Defaults”. This play is special, this play keeps on growing, don’t miss this experience, if you are in NYC, come and test your suspicions.

 

When:
January 31 – February 9, 2014

• Friday and Saturday  at 10pm
• Sunday at 5.30pm

Where:
La MaMa E.T.C.
74A East 4th Street
(Btw Bowery & 2nd Ave)
New York, NY 10003
T. 212. 475. 7710
How much:

• First 10 daily byers: $10;
• Regular Ticket:$18;
• Students Ticket: $13;

Box office: https://web.ovationtix.com/trs/pr/930717

 

Decisiones cotidianas y de las que te cambian la vida en "Los miércoles no existen"

¿Qué pasas si fusionas el cine y el teatro? ¿Si seleccionas 12 actores de cine, teatro y televisión? ¿Y si varios actores realizan el mismo personaje?

Todos estos retos plantea Peris Romano, director de “8 Citas”, en la comedia "Los miércoles no existen", una de las obras más esperadas de la temporada. Y aunque es arriesgado tener grandes expectativas y q te lleve una amiga que ya la ha visto dos veces, la obra cumplió y me atrapó desde el primer momento.

Las decisiones cotidianas y de esas que cambian la vida de 6 treintañeros que nos hablan de sexo, amor, límites, rutina, el piso, el café, el trabajo o los sueños mediante momentos entrelazados de 5 años de sus vidas, contado en flash backs y flash forwards. Mezcla fascinante de película, sitcom y teatro, con una banda sonora en directo que llena los cambios de escena.

Me encanta saber el porqué del nombre de una obra, el link que hace que todo tenga sentido. Y la escena “Los miércoles no existen” lo consigue, muestra el espíritu de toda la obra. Y aunque creo que el texto debe mostrar el paso del tiempo por sí mismo, aquí está maravillosamente bien jugado con la pizarra.

¿Con quién te identificas? ¿En qué momento estás? Es la pregunta inevitable con fascinante respuesta. Posiblemente hoy yo sea un personaje, pero hace un año era otro y pronto seré otro…

Gorka Otxoa, Diana Palazón, William Miller, Mónica Regueiro, Dani Muriel Irene Anula, Javier Rey, Eva Ugarte, Armando Del Río, Bárbara Grandio, Marta Solaz, Luís Callejo, Daniel Gúzman protagonizan esta obra en una combinación casi infinita que te provoca querer volver a verla, para conocer los matices y giros que otro actor le puede dar. Aquí les puedes ver y tratar de elegir, o dejar sorprenderte, como hice yo.

"Los miércoles no existen”
PRODUCCIONES OFF

Director y guionista: Peris Romano

Reparto: Gorka Otxoa/Javier Rey, Armando del Río/Luis Callejo, William Miller/ Dani Muriel/Dani Guzmán, Diana Palazón/Mónica Regueiro, Bárbara Grandío/Eva Ugarte, Irene Anula/Marta Solaz

Música: Ester Rodríguez y Alberto Matesanz

Yo la vi en El Sol de York pero actualmente está en el Teatro Lara. Madrid

Bubi Canal interviewed by Spain Artist NY

Cheekily and warmly speaks Bubi Canal, a visual artist living in New York City, about his irreverent, sunny and amusing images that don't come from theory but from LIFE, his life, (his) friends and day to day.

• WHAT DO PEOPLE REMEMBER ABOUT YOUR WORK?

People usually say that my work is colorful, mysterious and fun. One of my favorite descriptions of my work was the title that Beautiful Decay used: Bubi Canal's Magical Wishes.

• WHICH ARE THE ISSUES THAT CONCERN YOU? And HOW DO YOU WORK WITH THEM?

My work is about me and how I relate to the world. I have the need to broadcast what is happening inside of me to the world. It makes me very happy to do this and to be able to help others the same way other artist have helped me believe in my dreams.
I use many different types of media such as photography, video and sculpture. I love to use found objects and to recycle plastic pieces from old toys and games. I like to create characters and to work with them in different locations and situations.
The people who appear in my work are people who are close to me, not models or actors. Sometimes I make self-portraits and perform in my videos, it's very easy for me work with my body.
Recently, I conducted a photography workshop in New York with an amazing group of students and it was a really wonderful experience for me to share and create with other people.

 

• HOW DO YOU MANAGE YOUR WORK BETWEEN USA AND EUROPE?

I feel very lucky because people can appreciate my work in different countries and I like to connect with different cultures.
I'm learning a lot by doing shows in different places. I present my first solo gallery show in New York at Munch Gallery until May 10th. It's so awesome to share my new works in Manhattan. I'm so excited and happy to have the opportunity to be doing this show!

• TELL US, WHY NEW YORK?

I was born in Santander. I lived in Bilbao, where I studied Fine Arts and then I lived and worked in Madrid for seven years. I always wanted to live in New York, a lot of artists that have inspired me have lived here and I really appreciate American culture.
I moved to New York in 2011 for love and it was the best decision that I've made in my life. I know so many fantastic people here and I'm experiencing exciting and new things every moment.

• Can you explain WHERE COMES YOUR INSPIRATION FROM, WHAT IS THE MOST MAGICAL PLACE FOR YOU IN NEW YORK?

Everything that is around me can inspire me.
I especially like to look inside myself for inspiration.
In New York I love Coney Island. I'm not sure why, but I feel a special energy there. It is a very magical place to me. I've not used Coney Island as a location in my work yet, but I'm certainly going to do so in the near future.

Bubi Canal - Trust In Me from Bubi Canal on Vimeo.

• And to finish this conversation, YOUR ADVICE FOR SPANISH PEOPLE THINKING ABOUT COMING TO THIS UNIQUE CITY:

I can't say enough how strongly I urge my fellow Spaniards to come to New York City. The city is very open to everybody and it felt like home for me from the first day I arrived here.

Magic things have happened to me here, and they could happen for you too.

Publish by Spanish Consulate in NY at February 2^nd, 2013 http://www.spainculturenewyork.org/beta/cms/mapping-the-arts/spanish-creators-in-ny/spanish-creators-detail/?tx_ttnews%5Btt_news%5D=31&cHash=65d72b8994b6dfaa3a5609d66d3db912

Laia Cabrera Interview at Spain Culture NY

We meet in a popular café in the East Village, one block from the Theater for the New City where Laia presents "Garden of Delights", to chat about her career as a filmmaker and video artist where she merges cinematic arts, dance, music, theater and visual arts.

• Tell me, WHAT DO PEOPLE REMEMBER ABOUT YOUR WORK?

So many people have said, wherever they see my work implemented in a short-film, video-installation or multimedia theater play, they always see something that is more or less a signature, a language or something particular that identifies me.
I think it is the cinematic method, whichever discipline I approach, merging different languages and creating something that reminds us of notions of IDENTITY, and is still figurative, and has composition. In my work I'm looking for symbols and conceptual images. There are a lot of mental descriptions, ideas and dreams becoming objects. I mean, all objects are more than what first meets the eye. So yes, I think there is a signature; the symbolism, the metaphoric and the visual poetry that kind of defines my work.

Also Jennifer Dunning from New York Times thinks Cabrera has a unique voice: "I'm familiar with Ms. Cabrera's work and have been impressed with the seemingly instinctual feel of her work. One recognizes her individual artistic voice even as it seamlessly enriches the choreographic whole. Ms. Cabrera is a deft multimedia artist whose talents would be of great use to American choreographers in general...

• WHICH ARE THE ISSUES THAT CONCERN YOU?

IDENTITY has been a long topic of research in my previous work and is still one of my major focuses.
I have already started back in Barcelona with "Neutral Identities", which is an exhibition-interactive-performance-installation. We won the KrTU Young Creators' award that gave us this opportunity to grow and invite other artists to think about identity for this project.
We transformed it into an international collaboration and created an exhibition to present in different museums and cities that, back in the 90s weren't as frequented as nowadays.
From there on, I think in all my films and video installations, there has always been themes of time, memory, choice, beauty, desire, micro and macro and the transitory nature of life and our intent to grasp, capture the instant... all the different levels of the mental journey of identity.

She already mentioned KrTU Young Creators award, but Laia Cabrera is the recipient of many awards including Conca Grant and Kodak&Color Lab award for Best Cinematic Film for "Under Influence". She also directed "Invisible", "Singularity", "Is There an Edge of Belief?", presented in festivals worldwide. Award-winning writer and composer, she also edited "Cachao" with Andy Garcia (PBS's American Master) among other films.
Her artwork includes traditional and experimental filmmaking, multimedia theater and installation performances "Garden of Delights" (Theater for the New City - NY), "Mapping Möbius" and "Landscapes of the Soul" (La MaMa - NY), "Resonant Streams" (Saint John the Divine,-NY), "Claim your Place", "Playing Equality", "Walk-Pasa-Bouge", and "Shifting Gaze" performed in the US and Europe.

• Your first project was already an international exhibition, HOW DO YOU MANAGE YOUR WORK BETWEEN USA AND EUROPE?

All my works, since 1997 when I arrived in New York, have been produced here but have always had the intention of reaching out to Spain or Europe in general. A lot of the pieces we produced in the last years were either premiered or performed in Spain.
THERE IS ALWAYS THIS WILL TO CREATE THE BRIDGE, to be able to stage at home. One of my last pieces "Shifting Gaze" premiered in Times Square, New York for the "Spain Art Fest'10" and has been presented at "Region Ø Latino Video Art Festival of New York" and screened in different venues in the US, Europe and South America. My film "Singularity" inaugurated the International video animation festival "Animac" in Spain and another "Is there an edge of Belief?" went to the International multidisciplinary art festival "Jaen en Femenino" and the Biennal Internacional ULA 2010, Mérida, VENEZUELA. Recently, we performed in Belgium and France with our two latest video performance installations.
And so far, I'm very happy with the work that the Spanish Consulate is doing here, helping, connecting and promoting the artists here and there. They are supporting the notion of being a Spanish artist abroad, without that geographical limit.

• Tell us, WHY NY?

I studied cinema in Barcelona, I was really happy, I had amazing teachers such as Román Gubern, and co-directed a film research project with Josetxo Cerdán but it was really academic and I always felt that it needed something more. Then two things happened at the same time that directed me to New York: suddenly, one of my closest friends was studying here and at that time I was involved in a research project, in an international exhibition and we had to travel to New York to meet some of the artists; and when I arrived to New York I felt creation was more hands on, there was something that made it possible to do projects, not only thinking, writing and conceptualizing them, and it was important for me to step forward. I was fortunate to meet the right people in the right time and after two years I decided to stay here and co-create with Maria Litvan the film and theater Company Vertiginosas islands producing film and theater plays.
I'm very happy to be enriched and challenged by people from all over the world, with different mentalities, cultures and disciplines. I understood that here, if you want to do a project, you will always find someone willing to collaborate. Maybe they are not the ones you thought, but it really works.

Currently she is the creative director of LAIA CABRERA & CO, co-founded with French visual artist Isabelle Duverger, an international team of film, music and visual artists producing a wide range of multimedia projects as "Shifting Gaze" in collaboration with musician Erica Glyn, "Walk, Pasa, Bouge" in collaboration with Brussels-based company Lorrojo, a video dance film "untitled" with dancer and chorographer Catherine Correa among others.
She is a long time collaborator of The New Stage Theatre Company, LiquidBody Media, Movement and Dance, member of the Board of Director of Topia Arts Center, Adams, MA and an advisory board member at the Fashion Institute of Technology (FIT) and director of their annual film documentary.
Laia plays with music, video, storytelling, dance, photography, theater, visual arts... to create a new visual world. Let's check some quotes about her work:

• First and foremost, a message from Fernando Arrabal himself after seeing The New Stage Theater staged version of his play Garden of Delights:"A truly inventive work, an authentic research of the text polysemy... and of its staging... I believe Jerome Bosch himself would have enjoyed this approach; his fantasy at once controlled and seemingly unbridled... the videos... I would love that a show of this quality that it meets the success it deserves... Congratulate all the team once more... I have fond memories of my evening..."
• "The music was brilliant and brilliantly matched to the images, which were arresting and evocative. And, the way that the audience stood looking in all different directions, constantly looking just past each other..." Marie Glancy O'Shea - Journalist and editor
• "HUGE talent, HUGE. I am blown away. What a great performance piece. Unique, exotic, moving and best part: had my mind spinning on the ride home... questioning, thinking." Andrea Costa, former TIME Magazine Art Director

• WHAT INSPIRES YOU IN NEW YORK? WHICH PLACE?

I like Downtown, probably because it is more European... I like the neat cafes, the small places, and the life that the streets have. I find it very exciting to see the spontaneity and the extravaganza that the city has. You can find amazing things in very small places. You always have to be open and challenge yourself to be shocked, surprised and to learn and prepare, not to worry about the label because anyone can bring you something new and inspiring.

• And to finish this conversation, YOUR ADVICE FOR THE PEOPLE COMING TO THIS UNIQUE CITY

If you come to New York it is very important to remind yourself of the reasons you came.
Keep fighting; it is very easy to get distracted from your goal. The city is challenging in many aspects and sometimes you can get tired but IT'S WORTH IT. Probably at the beginning you can be fascinated and at the same time disillusioned because it can be tough.
But keep your goals, keep fighting because is really rewarding in sense of energy, spirit and inspiration.

Published at Spain Culture New York, Consulate General of Spain in NY's website, on December 13th 2012: http://www.spainculturenewyork.org/beta/cms/mapping-the-arts/spanish-creators-in-ny/spanish-creators-detail/?tx_ttnews%5Btt_news%5D=30&cHash=774a3ad0866293455b2a3b5929c404d6

Musicales: ¿en cine o en teatro?

En Nueva York he visto dos musicales que esperaba con emoción tras el impacto que me había hecho la película pero que, al verlas en teatro, me decepcionaron. E igualmente, me entregué a los Miserables en su primer día de estreno en la gran pantalla y…no encontré lo que esperaba.
Por esto, pensé que era interesante ver que no siempre funciona el traspaso del musical al cine pero que a veces, la película supera al musical.

Este es mi opinión personal ante 4 musicales que han llegado a película:

HAIR

Es una de mis películas favoritas que me sabía de memoria. El primer día que llegué a Nueva York, tras mil horas de vuelo y con el cambio de hora, me apresuré a ver este musical en mi Broadway soñado. La película es bastante diferente del musical, y yo no lo sabía.

Investigando sobre la obra, marco un antes y un después en el teatro musical. Fue un milagro que se produjera, y que tras su estreno en Off Broadway en 1967, llegara a Broadway solo un año después, mostrando fielmente el movimiento hippie que estaba pasando en la calle, y muchos ignoraban, y llevando al teatro a un público joven, que hasta entonces no iba.

Hair, subtitulado The American Tribal Love/Rock Musical, es una ópera beat sobre la cultura hippie de los años 1960 en los Estados Unidos, incluyendo el amor, la paz, la libertad sexual o el uso de drogas, todo lo cual produjo cierto impacto en la época, incluyendo los desnudos integrales de todos los actores en algunas escenas.

En 1979 se produjo una película del mismo nombre pero que no respeta del todo el argumento del musical, y no fue bien aceptada por los creadores del musical.

Esta es la obra que a mí me llegó y vi primero. La película excluye un par de canciones y modifica otras pero sobretodo, la gran diferencia es que se enfoca en el mensaje social y político y se posiciona claramente sobre la guerra del Vietnam. El musical solo pretendía mostrar una nueva forma de vida.

En mi caso, la película me llena más que el musical, al tener mayor compromiso, fuerza narrativa y dramática.

Los Miserables

“La película de las Navidades” cantaba el cartel publicitario que empapelaba NY y Madrid. “Una de las películas más esperadas del año” y “8 nominaciones a los Oscar”, rezaba también.

Vi el musical en Londres, con dos amigas en la primera primerísima fila donde pudimos sentir toda la fuerza de tan dramática historia y tan dura batalla. La escena de la bandera roja…se ha quedado grabada en mi retina.

Los Miserables es un espectáculo musical basado en la novela de Víctor Hugo, Los Miserables, estrenada en París en 1980. Cuenta la historia del convicto en libertad condicional Jean Valjean quien, al no encontrar trabajo honesto por culpa del papel que lo acredita como ex convicto, cambia su identidad para volver a vivir su vida.

Con gran expectación y entusiasmo ante un musical con tantas caras conocidas, me sumergí en esta película que con demasiado primer plano y personajes esperpénticos, me desencantó.

Primeros planos que hacen que me pregunte qué está pasando alrededor, primeros planos con los que pierdes las voces del conjunto y pretenden dar intensidad dramática, sin conseguirlo.

Las imágenes de la ciudad, los barcos, las barricadas…es más gráfico en su pobreza pero no más hermosas visualmente ni más conmovedoras. El espíritu revolucionario se representa magistralmente en el escenario y es ahí donde hay que buscarla!

Mamma Mia

El musical basado en las canciones del grupo sueco ABBA se estrenó en Londres en 1999 y la película estadounidense en 2008. Ahora mismo se está representando en NY, Londres, Stuttgart y Moscow y está de gira por Francia, Japón y Korea.

Es un musical de empaque frívolo y alegre, pero mucho más rebelde e irreverente de lo que parece. He aquí el ARGUMENTO: Sophie Sheridan es una chica de veinte años que vive junto a su madre en una isla griega. Está a punto de casarse y quiere descubrir una cosa: quién es su padre. Por ello, y sin que su madre lo sepa, decide invitar al evento a tres hombres con los que ella tuvo una aventura.

En este caso vi el musical en Madrid, la película en Alemania, y el musical de nuevo en Broadway, esperando que este mejorara la versión vista en Madrid, protagonizada por Nina de Operación Triunfo pero…no fue así. A pesar de los 11 años que esta obra lleva en uno de los más antiguos teatros de Broadway, Winter Garden Theater, me temo que la película ha llenado Mamma Mia de imágenes de Grecia, de mar y casas blancas con tejados azules, que embellecen la obra de tal manera que el teatro ya no lo puede emular.

En esta historia, se puede caer fácilmente en el humor fácil, y el musical lo hace. Los personajes son superficiales y no se penetra suficiente en cada uno de ellos. Sin embargo, con el mismo argumento, en la película se consigue una mayor identificación y conocimiento de cada uno, gracias a los primeros planos, a la escenografía y a unos actores bien conocidos que se arriesgaron con esta película, a pesar de no ser cantantes con una valentía que me encanta.

Para mí, la película ha superado al teatro.


Phantom the Opera

Me regalaron la banda Sonora del musical londinense, antes de ver el musical. Vi el Fantasma de la Ópera en Madrid con mi abuelo, la película en alemán con mi madre en Berlín y de nuevo el musical en NY con las niñas.

Y cada vez, absolutamente todas las versiones me han llegado al alma por que la música de Andrew Lloyd Webber traspasa cualquier idioma y el amor, terror y misterio de la historia cualquier formato.

Tras numerosas adaptaciones de la novela de Gastón Leroux, la versión más popular, y la que yo he visto, es la de Lloyd Webber de 1986 y su posterior película en 2004.

Los datos del musical teatral son abrumadores: la obra creativa que ha ganado más dinero (mundialmente ha ganado 3,2 mil millones de dólares), más de 50 premios a nivel mundial, es la obra que más ha estado en Broadway y más de 100 millones de personas la han visto.

Por supuesto el teatro tiene una cercanía y magia única, pero la sala oscura ante una gran pantalla también. Soy incapaz de elegir así que lo importante es entregarse a esta obra sea donde sea.

Una gota imprescindible en el océano - CLOUD ATLAS

Era un día de esos, en los que necesitaba despejar la cabeza y sumergirme en otro mundo. Fui directa al cine sin saber que película ver y el poster de CLOUD ATLAS , plagado de caras conocidas en un contexto extraño, me sedujo.

Tom Hanks, Halle Berry, Susan Sarandon o  Hugh Grant, entre otros, protagonizan esta película coral que muestra varias historias que se desarrollan en el pasado, el presente y el futuro y donde cada una de ellas está contenida en la anterior, y todas están enlazadas entre sí por pequeños detalles.

Es una película cautivadora, desbordante, que invita a la rebeldía y cree en el individuo. Son tantas historias, tantos detalles, tantos personajes, que te atrapan y mantienen pendiente de lo que va a pasar.

Salí de la película energética con ganas de saber más de esos mundos y de los creadores de esta obra. Al ver que eran los mismos que de MATRIX, lo entendí todo!  Los hermanos Andy y Lana Wachowski le pidieron a Tom Tykwer (el director alemán de El Perfume) que codirigiera con ellos esta obra pasada en la novela de David Mitchell, entendiendo con “codirigir” que dirija varias de las historias, de manera que, en la película se puede distinguir el estilo de cada uno de ellos, en las diferentes historias entrelazadas. Sé que suena un poco confuso, pero me resulto absolutamente fascinante cuando lo leí en el New York Times , en una critica que desvela demasiado si no la has visto, pero cuenta detalles fascinantes y con la que comparto totalmente la opinión.  

La fotografía es absolutamente maravillosa, llena de detalles capaz de crear diferentes mundos y tiempos. Es fascinante el desarrollo de cada una de las épocas con un lenguaje, ropa y hasta forma de moverse únicos. Además, es un ejercicio divertido el intentar descubrir a cada uno de los actores en los diferentes escenarios, donde rasgos físicos y del carácter se mantienen, pero donde no han tenido miedo a transformar la raza, el sexo y los valores. Por ejemplo, la transformación de la surcoreana Bae Doo-na en una irlandesa-americana del 1849 es increíble. Una infografia que lo explica muy bien es la de Cinema Blen.

El futuro cercano, reflejado en el mundo asiático, que es el que parece estar ya mas cerca de él, está lleno de imágenes virtuales y táctiles, en el sentido de que pocos elementos de la vida cotidiana son reales (una ventana y su paisaje) si no que son creados (a partir de una pared de cemento donde virtualmente se crea una habitación bien diseñada). Una parte de mi se inquieta ante este tipo de recreaciones, y más aún por saber que el futuro más lejano siempre lo pintan como catastrófico. Aunque he de decir que esta película es claramente positiva y esperanzadora.

CLOUD ATLAS está flasificada como "cine épico" y así lo es!! Está hecha a lo grande, aspira a ser recordada, al igual que Matrix, a formar parte del imaginario de todos. Creo que por esta razón, es una película  autocomplaciente y demasiado evidente en  cierta manera, al desvelar sin miedo sus intenciones y cerrar claramente el final con imágenes, discursos y reflexiones.  

El estreno en USA fue el pasado 26 de octubre, pero me temo que a España no llega hasta febrero, así que ya simplemente cierro con  una de las frases de un protagonista, que bien resumen el espíritu de esta obra: ¨Cada uno es una gota en el océano, pero en realidad, de qué se compone el océano si no es de gotas”.

CIFRAS en NY

El Consulado de España en Nueva York y AENY se han unido para darles un escenario a dramaturgos españoles, en la búsqueda de estrenar sus obras y “Give Me a DamnStage!” es la manera. Una serie de lecturas realizadas ante un reducido y exclusivo publico en Repertorio Español del 22 de octubre al 7 de enero 2013.

Yo asistí el pasado martes con enormes ganas de ver la obra CIFRAS, en un escenario. Aunque fuera un primer esbozo, me moría de ganas por escuchar el monólogo del capitán y a su luchadora mujer.

 

CIFRAS pone en ficción la vida de los once marineros del barco pesquero ‘Francisco y Catalina’, que en el año 2006 recogieron a 51 inmigrantes y estuvieron una semana sin poder entrar a puerto mientras se resolvía el conflicto diplomático entre Malta y España.

La puesta en escena es compleja ya que la historia transcurre en tres espacios diferentes, el barco en el que conviven marineros y náufragos, la esposa luchando para que se escuche lo que esta pasando, y los diplomáticos resolviendo el problema internacional que se ha creado. Evidentemente esto aún es una lectura y lo importante es el texto y han optado por simplificar el movimiento en escena, ubicando en el centro a los actores cuando hablan y silenciando al resto sentándoles en los laterales. Cada uno de los actores se salían del personaje, a excepción del capitán, un personaje con numerosos conflictos que seguía avanzando la historia a pesar de no ser él el foco de atención.

Los dos actores protagonistas, Sebastián Galvez  y Beatriz de La Cruz, te conquistan en su lucha individual y en la relación entre ambos que va evolucionando a lo largo de la obra. También impacta el cocinero, con su visión del mundo a través de las cifras, pero algunos de los secundarios pierden fuerzan y no llegan al público.

 

El texto de Mar Gómez, premiado con el Premio Calderón de la Barca, es cautivador. Partiendo de una noticia real, crea personajes complejos y creíbles, con sus ambigüedades, defectos y complicadas relaciones personales entre ellos. La inmigración, los conflictos políticos y el uso de los medios de comunicación e internet, son tremendamente actuales y se cuentan con simplicidad, ingenio, poesía y hasta humor.

Como el propio director, explicó, esta lectura pretende ser un workshop, parte del proceso de creación de la obra por lo que la voz en off y el Foro, es un elemento que a trabajar aún. Es un gran primer paso para darle voz al texto escrito y comprobar la fuerza del mismo antes de crecer y explotar todo lo que esta obra puede llegar a ser.

Espero pronto ver CIFRAS en todo su esplendor!